Top 100 Anime – 100 to 25


Aggretsuko
Estrenado en 2018
Fanworks

25 años, soltera, explotada por su jefe y frustrada en muchos aspectos… la vida no es fácil para Retsuko, una panda rojo antropomorfa. Nos pasa a todos, y es que las cosas no son sencillas y en ocasiones cuesta lidiar con ellas… pero cuando a Retsuko le ocurre eso, va al karaoke a gritar a pleno pulmon sus canciones favoritas de Death Metal para desahogarse. Es algo que es imposible no amar cuando te identificas con ello.

Mezclar personas encantadores con una buena dosis de humor es la fórmula con la que Fanworks dio vida a este personaje de Sanrio de una forma tan única como divertida. Aggretsuko es solo una panda roja intentando sobrevivir como puede en un mundo cruel y salvaje, y por eso nos encanta.     – Carlos Moncken


The Ancient Magus’ Bride
Estrenado en 2016
Wit Studio

¿Cuál es la magia más poderosa del mundo? Durante la mayor parte de su vida, Chise Hatori ha vivido atormentada por criaturas mágicas, causándole desde niña varios traumas trágicos, pero un día se encuentra lejos de Japón, estudiando como aprendiz bajo la tutela de un mago. Al ir mejorando como maga, comienza a abrirse a los demás, a sanar sus heridas. El mal en The Ancient Magus’ Bride nunca es plano, y es que cada antagonista de la obra no lo es por sus malas intenciones, sino por su sufrimiento y dolor. Chise poco a poco va conectando con las personas dejando atrás su duro pasado y comparte el dolor con ellas, identificándolo con el suyo propio. Así que, ¿cuál es la magia más poderosa del mundo? Chise Hatori es un buen ejemplo de que esa es la empatía.    – Cayla Coats


Anohana: The Flower We Saw that Day
Estrenado en 2011
A-1 Pictures

Esta primera obra original del equipo creativo Super Peace Busters (compuesto por la guionista Mari Okada, el diseñador de personajes y animador Masayoshi Tanaka y el director Tatsuyuki Nagai) hizo que el mundo entero derramara lágrimas a borbotones. Aunque en realidad ya trabajaron juntos anteriormente en Toradora!, el equipo usa como fondo el pueblo natal de Okada, Chichibu, para presentarnos un grupo de adolescentes realista que había sufrido una enorme tragedia a la que deberán sobreponerse juntos. Anohana sentó las bases de Mari Okada como nombre a tener en cuenta entre la comunidad de anime, y con razón, porque cada trabajo que produce este equipo es digno de verse. Incluso ver de nuevo el opening tras tantos años todavía me causa estragos. El equipo consiguió crear una historia tan conmovedora que todavía sigue afectándonos casi una década después.     – Daryl Harding


Asobi Asobase – workshop of fun –
Estrenado en 2018
Lerche

La adaptación animada de Asobi Asobase está repleta de contrastes. Es fácil de ilustrar si comparamos el opening, repleto de chicas adolescentes lindas e idealizadas, con el ending, más oscuro y con las mismas chicas tocando heavy metal como si fueran BABYMETAL.

Las tres protagonistas principales forman su propio club donde pasan el tiempo jugando a varios juegos. Normalmente sus ideas van un poco más allá de lo inocente y acaban en situaciones completamente ridículas. Los chistes de las estudiantes acaban recordándonos un poco al “Nadie esperaba a la Inquisición Española” de Monty Python.

El contraste entre la dulzura y el atrevimiento que hay en todos los aspectos de Asobi Asobase hace que se convierta en una de las comedias más memorables de los últimos años.     – Azaly Zeldin


Barakamon
Estrenado en 2014
Kinema Citrus

Creo con fervor que Barakamon es una de las series más relajantes y encantadoras que existen. Las experiencias diarias de Handa con los isleños me proporcionaron risas y a la vez me recordaron que no podemos dar por sentadas las pequeñas cosas. El aspecto más disfrutable de la serie es la tierna atmósfera que destila su precioso arte. Barakamon es una serie encantadora repleta de cosas que te animan y de inspiración que te llegan muy dentro. Me alegro mucho de haber visto este anime.      – Reem Ali

 


Black Clover
Estrenado en 2017
Studio Pierrot

Asta, de Black Clover, tiene algo que consigue que te guste de inmediato. Es un niño sin habilidad para la magia pero que desea con toda su alma ser el Rey Mago, así que se ve forzado siempre a trabajar (y a gritar) más que el resto de personas. Esto convierte a Black Clover no solo en una gran aventura, sino también en una de las mejoras historias de superar desventajas de todo el anime, reflejando claramente los sueños de todos aquellos a los que alguna vez les dijeron que no podían lograr algo, pero siguieron hasta conseguirlo. Con un argumento dinámico, una maravillosa miriada de personajes (los Toros Negros son el mejor grupo de forajidos tras los Sombrero de Paja) y escenas de acción de primera, Black Clover ha conseguido hacerse un puesto entre los visionados de placer de mi semana.       – Dan Dockery


Bungo Stray Dogs
Estrenado en 2016
Studio Bones

Bungo Stray Dogs hace que te quedes maravillado con su arte, con sus diseños de personajes, con sus icónicos trajes y con su estupenda banda sonora. No es el único anime con tales méritos, pero si hay algo que le da puntos extra a esta serie por mi parte, eso es su conexión con la literatura. Cada personaje de la serie, ya sea de un bando o de otro, porta el nombre de un famoso escritor, mientras que sus habilidades reflejan los nombres de las más famosas obras de los mismos. Ver este anime me hizo querer investigar más para comprender las referencias y así descubrir tantas de ellas como me fuera posible.
– Francesco Ventura

 

 


Chihayafuru
Estrenado en 2013
Madhouse

Para ser una serie centrada en el japonés juego del karuta, Chihayafuru ha ido creciendo hasta convertirse en algo más que la suma de sus partes. Es una serie que no solo define el juego hasta el punto de detallarte las normas, también es una historia sobre el viaje hacia la madurez a la vez que se lidia con la presión de convertirse en el mejor en un juego centrado en la poesía japonesa que solo se toma en serio en Japón. A priori puede parecer una serie vacía y poco interesante, pero la transformación de Chihaya de novata de ojos brillantes a experta con ojos de sabia, es lo que hace que la serie brille con luz propia.    – Humberto Saabedra

 


The Disappearance of Haruhi Suzumiya
Estrenado en 2010
Kyoto Animation

Según iba creciendo cada vez tenía que enfrentarme más a la idea de “madurar”. Era común que me preguntaran cosas como “¿Por qué lees cómics? ¡Si son para niños!”, “¿Por qué te importan tanto las historias de los juegos?”, o “¿Qué hace un adulto viendo dibujitos animados?”. Me las repetían tantas veces que llegué a preguntarme si mi afición era algo que podía permitirme o no. Pero entonces vi The Disappearance of Haruhi Suzumiya y la conclusión que nos dejaba su película: “¿Por qué no va a estar bien disfrutar de algo divertido?”. El viaje de Kyon a la conclusión de que no tiene nada malo que uno disfrute de cosas que no sean “realistas” o “adultas” (momento en el que nos dejó uno de los monólogos más increíbles de todo el anime), me ayudó en gran medida a comprender por qué amaba el anime y a aferrarme más a él. Y quién sabe, puede que ni siquiera estuviera en Crunchyroll hoy en día de no ser por esta película.      – Rene Kayser


Dororo
Estrenado en 2019
MAPPA

Aunque debería encontrar a Dororo artísticamente competente y disfrutable, el arte no es precisamente lo que más amo de esta serie, sino sus temas y cómo los trata a lo largo de la historia. La historia la cuenta el joven Dororo, aunque parece que Hyakkimaru es el protagonista y la víctima de los hechos que se nos narran. Lo que más me fascina es la misión de Hyakkimaru y su preferencia por partes humanas en lugar de las más poderosas, pero inhumanas, prostéticas. Dororo es una reinterpretación de una historia cyberpunk: la búsqueda de la propia debilidad y lo maravilloso de la fragilidad humana.     – Francesco Ventura


Dragon Ball Super
Estrenado en 2015
Toei Animation

Todo anime que tenga como núcleo a un buen tipo dando una paliza a un malo menos poderoso que él, tiene sus raíces claras en Dragon Ball. Su influencia no puede subestimarse, y es que su legado es enorme. Dicho eso, ¿cómo encaja Dragon Ball en la última década, una era repleta de títulos como My Hero Academia o One Piece? Pues bueno, estupendamente, la verdad. Dragon Ball Super nunca intenta superar ni dejar atrás a Z, su antecesora, sino que nos da un vistazo más amplio de la franquicia ampliando el reparto de personajes para apoyar a Goku y darnos la acción que queremos (y merecemos). Nunca volverá a ser una obra revolucacionaria como lo fue en su día, pero con Super se nos demostró que el clásico de Akira Toriyama siempre será bienvenido.     – Daniel Dockery


Durara!
Estrenado en 2010
Brain’s Base

La historia del estudiante que parece normal pero acaba relacionándose con todo tipo de eventos peculiares es algo muy común en el anime, y Durarara!! parte precisamente de esta premisa, pero en esta ocasión lo hace lanzándonos de lleno a las calles de Ikebukuro, en Tokio. Usando como eje la amistad de dos chicos que no se veían desde hacía años, la serie es capaz de presentarnos una historia de bandas enfrentadas en las calles, un misterioso grupo de Internet conocido como “Dollars”, corporaciones de dudosas intenciones e incluso tiene la osadía de añadir un elemento sobrenatural con la inclusión de una motorista sin cabeza, una versión moderna del clásico jinete sin cabeza. Pese a tal cantidad de elementos, el anime consigue que sean los múltiples personajes los que lleven todo el peso de la historia, mostrándonos diferentes ángulos de los acontecimientos y logrando que nos sintamos realmente involucrados con la historia, siempre deseosos de saber cuál será el próximo giro de guion inesperado. Lanzarse a descubrir qué se oculta tras los Dollars es lanzarse a una historia de violencia, sorpresas y traiciones que uno posiblemente no esperase jamás al ver los primeros compases.  – Sergio Vaca


The Eccentric Family
Estrenado en 2013
P.A. Works

Desde sus inicios, P.A. Works ha colaborado con varias localidades de Japón para resaltar el encanto de algunas de las ciudades favoritas del país para el personal. Aunque muchas de sus series se han centrado en pueblos en zonas rurales, en The Eccentric Family el estudio intentó capturar todo lo que hace de Kioto la Kioto que conocemos, y con tal ambición, el resultado fue grandioso. The Eccentric Family es una historia atemporal sobre una familia que es de todo menos típica, en especial porque eso de que una familia pierda a su patriarca porque lo cocinaron en un estofado de tengu no es muy habitual. Los elementos fantásticos de The Eccentric Family logran alcanzar un realismo mágico: los tanuki cambiaformas y los tengu voladores que protagonizan la serie son criaturas fantásticas, sí, pero se basan en el misticismo de Kioto, evocando cierta sensibilidad a medio camino entre la parábola y la metáfora. Generalmente este tipo de esfuerzos artículos quedan sepultados por historias poco accesibles, pero The Eccentric Family logra capturar todo un torrente de emociones en una de las historias de una temporada que más se disfrutan de toda la década.   – Miles Thomas


ERASED
Estrenado en 2016
A-1 Pictures

Una serie donde nada es lo que parece a primera vista y premia al espectador por intentar seguir las pistas falsas que nos va dejando. Fue muy halagada por su guion, su ritmo y su animación cuando se emitió en 2016 como parte del conocido bloque Noitamina, pero lo que hizo que muchas personas se enganchasen a ella fue su perspectiva única a la hora de tratar el tema de los viajes en el tiempo, lo que la convirtió más en una historia de misterio que en una de ciencia ficción. Al ser una serie de 12 episodios, es una serie perfecta para cuando busques algo que requiera de tu completa atención.    – Humberto Saabedra


Evangelion 3.0 You Can (Not) Redo
Estrenado en 2012
Studio Khara

A veces siento como si mi visionado de Evangelion 3.0 You Can (Not) Redo hubiera sido fruto de una alucinación. Me acuerdo del argumento y pienso: “Cielos, ¿de verdad ocurrió eso?”. Eva 3.0 es sin duda alguna una de las representaciones más desafiantes de todo el trasfondo de Evangelion, pero también es la parte de toda la reimaginación de Evangelion que más impresión te causa. Poner a 3.0 en esta lista es reconocer el trabajo de Anno con las películas del Rebuild de Evangelion y cómo la franquicia sigue maravillándonos con sus personajes y argumento tantos años después. Aunque si puedo decir algo: no tengo ni idea de cómo piensa Anno cerrar la historia en 2020, y la verdad, es algo bastante emocionante.      – Kyle Cardine


Fate/stay night: Unlimited Blade Works
Estrenado en 2014
ufotable

La anticipada secuela de Fate/Zero que adapta la ruta de Unlimited Blade Works de la visual novel Fate/stay night. La premiadísima serie ya había demostrado su gran desarrollo tecnológico en el campo de la animación con sus anteriores series, dejándonos algunos de los mejores fondos en 3D y mejores trabajos de posproducción hasta la fecha vistos en un anime (solo superados por la propia ufotable en otros de sus trabajos, como Demon Slayer). Si a eso le sumamos su estupenda dirección y su guion, Fate/stay night: Unlimited Blade Works se convierte en una obra maestra del anime y en una de las mejores Fate hasta la fecha. Además tiene a la mejor chica de la franquicia, y no hay discusión.     – Daryl Harding


FLIP FLAPPERS
Estrenado en 2016
Studio 3Hz

La ficción suele enmascararse siempre con metáforas, pero pocos animes son tan ricos en simbología, dinámicos en la parte estética y emocionalmente identificables como lo es FLIP FLAPPERS. La historia parece prometerte la clásica aventura de chicas mágicas para luego golpearte con fuerza y convertirse en un viaje de autodescubrimiento que te lleva a lugares oscuros que hasta el momento ni siquiera existían para ti. FLIP FLAPPERS es una obra que ansía que la revisites y que merece un puesto de honor en cualquier lista crítica.    – Paul Chapman

 


 Flying Witch
Estrenado en 2016
J.C. Staff

Flying Witch supo embrujar a la audiencia con su encantadora visión de las brujas, esas que tan comunes son en la cultura pop, transportando todos sus tópicos a un pueblo de estilo europeo situado en el Japón rural. Aunque la magia abunda en la serie, no es precisamente lo que la hace mágica. El reparto de personajes es el que lleva el peso de la serie, y están perfectamente representados, siendo un placer conocerlos según va avanzando la serie. Aunque no es una serie épica, Flying Witch es un dulce que no amarga a nadie.   – Daryl Harding


 
Food Wars!: Shokugeki no Soma
Estrenado en 2015
J.C. Staff

Al igual que That Time I Got Reincarnated As A Slime me hizo ampliar mis ideas de qué era un anime isekai, Food Wars! me hizo darme cuenta que el mundo del anime de acción no tiene que ser solo uno de resolver problemas a golpes. De hecho, Food Wars! se une junto a Yu-Gi-Oh! a mi lista de mejores historias de peleas en las que no se pelea físicamente. La épica historia de SOma y sus compañeros a través de los varios enfrentamientos en torneos y festivales donde la cocina es la protagonista, me pareció tan emocionante como cualquier serie de combates que hubiera visto antes. Aunque ya esté en su cuarta temporada, la verdad es que nunca hubo un momento mejor para ser fan de los animes de cocina.    – Daniel Dockery


GATCHAMAN CROWDS
Estrenado en 2013
Tatsunoko Production

Gatchaman Crowds habría podido tomar el camino fácil y ser simplemente una réplica del clásico de Tatsunoko, pero el director Kenji Nakamura (tsuritama), el guionista Toshiya Ono y el resto del equipo aspiraban a mucho más. Lo que nos dejaron una auténtica modernización de la historia con una narrativa atemporal y alegórica que está repleta de tonos grises, alejándose de la perspectiva más directa de las entregas del pasado de la franquicia. Repleta de colores, un reparto de personajes memorable y una acción más que decente, la serie es una de esas que merece la pena revisitar.       – Joe Luster  


Golden Kamuy
Estrenado en 2018
Geno Studio

Golden Kamuy me atrajo de inmediato por mi obsesión con la reconstrucción histórica en las historias. La guerra ruso-japonesa no es un tema muy común en el anime, y eso me llamó la atención de inmediato, pero lo que hizo que la serie me robara el corazón fue la gran cantidad de tiempo invertido para investigar y reproducir el mundo de la serie, tanto desde el punto de vista histórico como de la biodiversidad de sus escenarios. Recuerdo un artículo sobre cómo una de las personas que trabajaba en la fauna y la flora del anime se volvía loco haciendo que todo fuera realista, concretamente los arenques, muy abundantes en la Hokkaido de la época. Pero Golden Kamuy no es una mera serie histórica, también abundan los buenos personajes, algunos inspirados por personalidades reales de la época. Tampoco puedo negar cuánto han contribuido sus temas musicales a mi amor por la serie, y ahora, cuando como algo que está muy rico no puedo evitar decir “Hinna, hinna, hinna”.     – Francesco Ventura

 


Haikyu!!
Estrenado en 2017
Production I.G

Hacía mucho que una serie no me enamoraba tanto como Haikyu!!. Al igual que el propio Shoyo Hinata, estaba emocionado por ver cómo esta serie de voleibol despegaba y echaba a volar. Lo que de verdad hace a la serie tan buena son sus personajes, cuánto se preocupan unos por otros y cómo luchan juntos por alcanzar el éxito. Además, su tercera temporada, la cual se desarrolla durante un único encuentro en un campeonato, es una de las series de televisión más apasionantes que he visto. Haikyu es una de las mejores obras de la década y estoy deseando que regrese a inicios del próximo año.     – Kyle Cardine

 


Humanity Has Declined
Estrenado en 2012
AIC A.S.T.A

Si combinas una paleta de colores pastel, un punto de vista nihilista del mundo y un sentido del humor más que ácido, tienes Humanity Has Declined, una historia posapocalíptica que nos indica que la decadencia de la humanidad y su caída en la oscuridad y el absurdo puede que no sea tan mala como creíamos. Cínica, aguda y extraña como pocas, Humanity Has Declined es además sorprendentemente sentimental. Si una serie puede hacerte llorar por un solo satélite, es que merece la pena.     – Paul Chapman


Hyouka
Estrenado en 2012
Kyoto Animation

¡Me encantan los misterios, los acertijos y descubrir grandes secretos! Soy una persona muy curiosa y pocas cosas me atraen tanto como una buena historia de misterio, que es por lo cual guardo un lugar muy especial a Hyouka en mi corazón, ya que rompe con muchas de las cosas que esperas del género.

Una de las normas de Van Dine reza que “Siempre debe haber un cadáver” en una buena historia de misterio, pero Hyouka pasa por encima de esa norma y se aleja de ella todo lo posible. En su lugar se centra en misterios más mundanos y que podríamos encontrarnos en cualquier momento, haciéndonos conectar más fácilmente con los personajes. Le sumamos la estupenda animación de KyoAni y la magnífica dirección del fallecido Yasuhiro Takemoto, y el resultado es una serie única que te conecta con los personajes más de lo que cualquier serie de detectives haya logrado jamás. 

Mención especial a su giro doble en el segundo arco. Ni siquiera Umineko logró hacerme estallar la cabeza con una pregunta tan simple como: “¿Y la cuerda?”.     – Rene Kayser


In This Corner of the World
Estrenado en 2016
MAPPA

In This Corner of the World representa la guerra como muchas otras películas centradas en la Segunda Guerra Mundial no logran hacerlo: como algo tedioso. Donde otras películas que muestran Japón durante la guerra se centran más en los soldados y en la glorificación de la batalla, aquí el punto principal son las vidas diarias de los ciudadanos y los sacrificios que tuvieron que hacer para sobrevivir. También es una historia de éxito para el director Sunao Katabuchi y MAPPA, que pasaron de un crowfunding para sacar adelante el proyecto a una película con innumerables premios. Una película que uno ha de ver junto a otros clásicos de la misma época histórica como son La tumba de las luciérnagas o Barefoot Gen/Hiroshima.     – Kyle Cardine

 


Kabaneri of the Iron Fortress
Estrenado en 2016
Wit Studio

Eso de llamar “el Attack on Titan de los trenes” a Kabaneri of the Iron Fortress no es nada justo, pero si eso inspira a más gente a verla, ¡pues que así sea! Más allá de la estupenda animación y sus increíbles escenarios, no hay nada que me guste más de este anime que sus diseños de personajes que parecen sacados de los 80. Además tiene sentido, dado que son de Haruhiko Mikimoto, bien conocido en los 80 por sus diseños para OVA y quien trabajó en series como Macross, Mobile Suit Gundam 0080 o Megazone 23.      – Joe Luster


Kaguya-sama: Love is War
Estrenado en 2019
A-1 Pictures

El anime está repleto de historias de “¿Se volverán pareja o no?”, pero Kaguya-sama: Love is War va más allá y se convierte en una de las mejores comedias románticas conocidas. Su director, Shinichi Omata (bajo el nombre Mamoru Hatakeyama) trabajó en series como Madoka Magica y Arakawa Under the Bridge en SHAFT, y así el estilo de dicho estudio puede sentirse en su obra. Una animación más que digna, unos miembros hilarantes del consejo de estudiantes, chistes siempre divertidos y Chika, convierten a la serie en una de la que cualquiera puede enamorarse, y nosotros no somos la excepción.    – Daryl Harding


Kids on the Slope
Estrenado en 2012
MAPPA

Si Cowboy Bebop y Samurai Champloo no llamaron tu atención, has de saber que Shinichiro Watanabe y la música son una de las mejores combinaciones existentes. Esta pareja perfecta se hace más patente en la adaptación animada que MAPPA y Tezuka Productions lanzaron en 2012 del manga Kids on the Slope de Yuki Kodama, un josei. Entre jazz y la banda sonora obra de Yoko Kanno, la serie nos cuenta una preciosa historia de amistad y música.    – Joe Luster


Katanagatari
Estrenado en 2010
White Fox

Katanagatari es realmente buena, y tiene una de las mejores coreografías de acción y algunos de los mejores personajes que jamás he visto en un anime para televisión, pero no es para cualquiera. Para empezar, cada episodio dura el doble de un episodio normal (generalmente rozan los 50 minutos). Segundo, hablan mucho… muchísimo. El 60% o el 70% de cada episodio son diálogos que en muchas ocasiones no son precisamente fáciles de seguir, pero pese a ese muro inicial, Katanagatari es un visionado completamente satisfactorio que nos va dejando elementos importantes del guion en cada episodio para acabar uniendo todas las piezas de forma magistran en los dos episodios finales. El estilo gráfico sencillo del que hace gala permitió a los animadores mucha libertad para animar unas escenas de combates estelares. Los protagonistas Shichika y Togami, un paleto idiota y fuerte por un lado y una inteligente y taimada estratega y tsundere por el otro, conforman una de las parejas más divertidas y dinámicas que haya visto desde Samurai Champloo, y separarlos al final de la serie me dejó triste durante un largo tiempo. En serio, cualquiera que vea el final acabará llorando. Es uno de esos finales.    – Cayla Coats


Kino’s Journey -the Beautiful World- the Animated Series
Estrenado en 2017
Lerche

La primera adaptación de Kino no Tabi en 2003 fue una serie de ritmo tranquila que poco a poco te sumergía en su atmósfera melancólica. Debido a unos diseños de personajes sencillos y a unos fondos sin detalles era algo complicado decir lo hermosa que era la serie, pero esa era precisamente su belleza.

La nueva adaptación de 2017, producida por el estudio Lerche, se diferencia a primera vista de la primera: es una serie colorida y diseñada con el moe en mente, pero la esencia de su núcleo sigue siendo la misma. Kino’s Journey es una sucesión de parábolas filosóficas sobre temas como la moralidad, la política o la libertad personal. En lugar de intentar superar a su predecesora, la adaptación de 2017 da un estilo más moderno a la historia de Kino. En 2003 nos enseñaron que el mundo no es blanco o negro, mientras que en 2017 nos llenaron el mundo de color.      – Azaly Zeldin


K-ON!!
Estrenado en 2010
Kyoto Animation

K-ON!! es una serie de esas que ayudaron a definir toda una década de anime, y su influencia se deja ver todavía en obras como Yuru Yuri. Esta obra maestra de Kyoto Animation, dirigida por Naoko Yamada, sentó las bases de los slice of life con sus relaciones sencillas y realistas, su preciosista animación y una música estupenda. Para mí estas chicas eran como amigas, personas que quería que fueran felices. Ninguna otra serie ha sido capaz de capturar la magia de K-ON!!, aunque algunas se han acercado. Como la secuela de la primera obra de Yamada, la K-ON! original de 2009, aquí todo se potencia para proporcionarnos una experiencia que es como una taza de té calentito en un día de frío.    – Daryl Harding

 


Kyousougiga
Estrenado en 2013
Toei Animation

Kyousougiga tiene la reputación de ser una serie complicada de seguir, algo así como las reacciones iniciales a series como FLCL o Paranoia Agent en su día, pero, sinceramente, tras toda esa estética abstracta y colorista con un Kyoto alternativo, la serie no es taaan profunda como uno pueda pensar. Tenemos a una chica que quiere encontrar a su padre desaparecido, tres hermanas que luchan para cumplir las expectativas que les imponen la reputación de sus padres, y dos amantes con muchos defectos pero que son padres que aman a sus hijos. Es una historia sobre la familia. La serie es complicada, sí, durante los dos primeros episodios, pero su ambiente vibrante, su animación excelente y un reparto de personajes encantadores hacen que la experiencia sea disfrutable hasta que todas las piezas comienzan a encajar. Kyousougiga no es como ningún otro anime que haya visto, y es una encantadora historia estupendamente contada que quiero compartir con todos mis seres queridos.  – Cayla Coats


Laid-Back Camp
Estrenado en 2018
C Station

Laid-Back Camp es el anime más cómodo jamás creado. Generalmente dudaría a la hora de usar ese adjetivo con cualquier otra cosa que no fuera un sofá, pero es que hay motivos para que su audiencia lo describa así: es una serie cómoda, muy cómoda. El “iyashisekei“, o “anime sanador”, es bien conocido en el medio. Es más una expresión de las partes más bellas de la vida que tienden a pasarnos desapercibidas en nuestro día a día que una narrativa de dejarnos con ganas de saber más a cada momento, y eso nos da unas oportunidades de introspección únicas. En otros medios no hay homónimos del estilo, así que es complicado convencer a alguien no acostumbrado a los slice of life para que le dé una oportunidad, pero Laid-Back Camp es capaz de transmitirte esa “comodidad” en cada uno de los frames de sus 12 episodios, siendo capaz de hacerla resonar incluso con los corazones más fríos. El iyashikei no es un género que pueda volverse “de culto”, pero las amables aventuras de estas cinco chicas campistas en pleno invierno y alrededor del Monte Fuji es uno de los mejores ejemplos del mismo que vas a encontrar.  Miles Thomas


Land of the Lustrous
Estrenado en 2017
Studio Orange

Si por algún motivo eres de los que todavía son reacios al anime en 3D, deja de leer esto ahora mismo y ponte a ver Land of the Lustrous. No se me ocurre ningún otro anime que demuestre mejor que un proyecto en 3D puede ser bueno, tanto que incluso supere tus expectativas. El estilo visual de Studio Orange no solo ha llegado a influenciar a proyectos en Estados Unidos (como Spider-Verse en particular), sino que la historia sobre dejar atrás la adolescencia y desconfiar de la autoridad es una que merece la pena ver. Más gente debería ver esta serie. ¡#JusticiaParaLustrous!     – Kyle Cardine


Little Witch Academia
Estrenado en 2013
Studio Trigger

Lo que comenzó siendo un proyecto para jóvenes animadores acabó alzando el vuelo en mitad de la noche y ganándose los corazones de fans de todo el mundo. Little Witch Academia mezcla el distintivo estilo de Studio Trigger, concretamente el de Yoh Yoshinari, una historia sobre alcanzar la madurez y la nostalgia de una era pasada del anime en el que las magical girls y las brujas eran básicamente lo mismo. Desde sus raíces en el Anime Mirai hasta la evolución de la serie y pasando por el videojuego, la magia de Akko y sus amigas es contagiosa… y un recordatorio de que Trigger es mucho más versátil de lo que podemos creer.      – Kara Dennison


Liz and the Blue Bird
Estrenado en 2018
Kyoto Animation

El argumento de los primeros siete minutos o así de Liz and the Blue Bird se puede describir de forma sencilla: dos chicas caminando a la escuela. Pero ¿entonces cómo es que algo tan sencillo nos hizo llorar a mí y a un amigo la primera vez que vimos? La sincronización entre los pasos de Mizore y Nozomi, un sonido que poco a poco se convierte en la banda sonora de la situación, cómo Mizore idolatra a Nozomi y por eso imita a su amiga en todo lo que puede… La escena visual y sonora es muy potente y esa escena marca el ritmo para el resto de la película. La historia de dos chicas de preparatoria/instituto que poco a poco se van separando y se vuelve cada vez más abstracta, se entrelaza perfectamente con las imágenes y el sonido. Me gusta pensar que Sound! Euphonium es ocmo una novela y Liz and the Blue Bird es un poema. Se complementan bien, pero Liz tiene su propia categoría como obra de arte.  – Cayla Coats


Love, Chunibyou & Other Delusions
Estrenado en 2014
Kyoto Animation

Antes de Love, Chunibyo & Other Delusions, la comunidad de anime no había asimilado el término “chuunibyo” en su vocabulario de uso común. Piénsalo bien: un anime nos dio una nueva palabra que no se tradujo en su título cuando llegó a occidente y se conservó en japonés. Pero más allá de esa palabra, el mérito de esta serie es obra del director Tatsuya Ishihara, quien hizo lo que mejor sabe hacer: una serie preciosa con personajes divertidos, un toque de romance y una estupenda animación salida de las manos del equipo de Kyoto Animation. El tira y afloja entre Rikka y Yuuta en su relación es algo que no llamaba la atención a muchos, pero es innegable que uno acaba queriendo ver cómo acaba, en especial con la ayuda de los personajes de apoyo como Nibutani o Dekomori. Es un placer ver esta serie, aunque lo más atrevido que hagan sea tomarse de las manos…     – Daryl Harding


March comes in like a lion
Estrenado en 2016
Studio Shaft

March comes in like a lion podría ser un anime más de esos con un potente mensaje sobre la amistad, pero esta serie nos ofrece un poco más. Siguiendo la vida de Rei Kiriyama el espectador se encuentra con una atmósfera un tanto oscura inicialmente: el protagonista sufre de depresión. Rei necesita lidiar con la dura vida con su familia a la par que debe ser un buen jugador de shogi. Estando en tal caótica situación, conocerá a personas que cambiarán su vida: las hermanas Kawamoto, tres chicas que le ofrecerán a Kiriyama una segunda familia.

March comes in like a lion es un viaje al autodescubrimiento, una serie realmente importante sobre lidiar con una enfermedad muy seria. Pero la serie se atreve con más y trata temas como el bullying, superar obstáculos y asumir responsabilidades al llegar a la edad adulta. La serie tiene un reparto de personajes excelente que gozan de un desarrollo patente a lo largo de la historia. Es una historia brillante que merece ser apreciada por las nuevas generaciones y por audiencias más allá de los habituales consumidores de anime.   – Carlos Moncken


Maquia: When the Promised Flower Blooms
Estrenado en 2018
P.A. Works

Mari Okada está en una posición única dentro del fandom occidental: es una de las raras guionistas que gozan de popularidad entre una buena parte de la audiencia internacional. Un repaso rápido a su currículo durante la última década nos ayuda a comprender sin problemas el motivo de este fenómenos: los trabajos de Okada son algunas de las historias que más conectan con los sentimientos de la audiencia dentro de las que ofrece el medio. En Maquia, su debut en la dirección, nos encontramos con Okada en estado puro, incluyendo esa forma de ponerte el corazón en un puño, esa forma de mostrar lo complicado que puede ser el ser humano… y todo eso ya hace al filme algo imperdible. Pero Maquia es más que un recopilatorio de las mejores habilidades de Okada, es una fantasía a gran escapa digna de los mejores tiempos de David Lean en Hollywood que nunca pierde de vista su núcleo emocional formado por la relación entre una madre y su hijo. La peor característica de Maquia es que su sentimentalismo es siempre omnipresente, pero si estás preparado para abrir tu corazón durante un par de horas, prepárate para llorar como nunca y llamar corriendo a tu madre cuando acabes de ver la película.  – Miles Thomas


MEGALOBOX
Estrenado en 2018
TMS Entertainment

¿Qué resulta cuando pones al estudio TMS Entertainment y al director Yo Moriyama a trabajar juntos en un anime para conmemorar el 50.º aniversario del legendario manga de boxeo Ashita no Joe? Pues el duro mundo de acero y golpes de MEGALOBOX, en el cual incluso el perro más salvaje y repudiado puede aspirar a lo más alto en una versión futurista del boxeo. No sabemos cómo, pero TMS hizo que esta serie pareciera sacada directamente de 1998, y eso es un elogio enorme. Los combates son decentes, pero la historia de Junk Dog y la moral cuestionable de su entrenador son lo que hacen que MEGALOBOX sea un gancho directo al espectador.      – Joe Luster


Miss Kobayashi’s Dragon Maid
Estrenado en 2017
Kyoto Animation

Esta fue una serie de esas que se convirtieron en una de mis favoritas sin esperarlo, algo que también ocurrió a mucha más gente que inicialmente no apostaba nada por ella. ¿El motivo? Que es una serie realmente conmovedora y divertida, desde el primer episodio al último, y es que Kobayashi’s Dragon Maid nos permite ver el crecimiento de Kobayashi como persona y el de su relación con Tohru. El grupo incluso se amplía durante la serie e incluye a Kanna, Lucoa y Elma para crear una gran familia.

Uno de los elementos más importantes que hicieron de esta serie una de mis favoritas fue el cómo se gestionaron los momentos de paz entre los personajes. Ya fuera Kobayashi acostumbrándose a su nueva familia, Tohru aprendiendo cómo cuidar de Kobayashi y relacionándose con el resto de personajes, o Kanna simplemente siendo tan tierna como siempre, Kobayashi’s Dragon Maid siempre era una serie que merecía la pena y que deberías ver si quieres ver una buena serie de verdad.     – Humberto Saabedra


 

KONOSUBA -God’s blessing on this wonderful world!
Estrenado en 2016
Studio Deen

KONOSUBA es una serie que en realidad no encuentra su rumbo hasta la segunda temporada, pero cuando lo hace, dispara a bocajarro al espectador como la obra maestra de la comedia que es. La serie parece beber de la ciencia ficción británica clásica, usando todos los tópicos del género y creando un reparto repleto de holgazanes, bufones y personas un tanto sospechosas que a la vez son encantadoras. KONOSUBA es humor del malo, pero del bueno, y es capaz de reírse de todos los tópicos del isekai mejor que nadie. Es como si cada partida de Dungeons and Dragons se fuese completamente de madre y acabase siendo un caos, en serio.    – Paul Chapman


MOBILE SUIT GUNDAM THE ORIGIN
Estrenado en 2019
Sunrise

Un montón de fans de Gundam te dirán que no veas Mobile Suit Gundam: The Origin si no estás familiarizado con el Universal Century. Pues bueno, como alguien que acaba de comenzar con la franquicia vengo a decirte que no les hagas caso y que yo disfruté mucho con esta serie. La obra adapta el manga de Yoshikazu Yasuhiko, concretamente el arco que cubre el ascenso de Char Aznable a la fama y al poder, dando al trasfondo político de Gundam una gran cantidad de peso, explorando los personajes, sus motivaciones y todo lo acontecido al inicio de la serie original de Gundam de 1979. Tengas o no experiencia con Gundam, el estilo visual y narrativo de The Origin hacen que sea una serie que cualquiera puede disfrutar.      – Kyle Cardine


Mr. Osomatsu
Estrenado en 2015
Studio Pierrot

¿Qué ocurre cuando los niños protagonistas de una comedia crecen, siguen viviendo con sus padres, son unos ninis y no conocen a nadie más que a los extraños vecinos de su barrio? Pues en Osomatsu-san descubrimos todo eso, le sumamos algo de locura y lo convertimos en algo irreverente y divertidísimo de ver. Las historias de las rivalidades entre los sextillizos protagonistas, la espiral de locura en la que va cayendo la historia… son algo imperdible. Esperamos que la segunda temporada (y la película) no sean lo último que veamos de esos chicos con la misma cara.   – Daniel Dockery


New Game!
Estrenado en 2016
Doga Kobo

El trabajo es algo serio, en especial cuando eres Aoba, una diseñadora de personajes novata con mucho talento, que acaba de terminar la preparatoria/instituto y que consigue un puesto en el estudio de videojuegos que creo su saga favorita de JRPG. New Game! no se centra demasiado en los aspectos laborales reales del mundo de la creación de videojuegos, pero es una entretenida historia repleta de grandes personajes carismáticos. El estudio Doga Kobo produjo una serie tan cómica como tierna que también tuvo espacio para hacer crecer a los personajes entre la primera y segunda temporada, creando conflictos y dilemas de todo tipo. Salpicamos los episodios con algo de fanservice y New Game! se convierte en una joya de la última década.   – Carlos Moncken


The Night is Short, Walk on Girl
Estrenado en 2017

TrasThe Tatami Galaxy, el gran director Masaaki Yuasa adaptó nuevamente una novela de Tomihiko Morimi. Para hacerlo contó de nuevo con el equipo de The Tatami Galaxy, incluyendo a Yusuke Nakamura, uno de los artistas con más talento de su generación y responsable de los diseños de personajes. Incluso Michiru Oshima, quien pone la magnífica banda sonroa. El resultado es The Night Is Short, Walk On Girl, una extraordinaria obra de animación con una belleza sobrecogedora.      – Joan Lainé


Non Non Biyori
Estrenado en 2013
Silver Link

Renge Miyauchi y sus cuatro amigas viven en un pueblo tan pequeño que son las únicas estudiantes de la escuela pese a sus diferencias de edad. Se pasan la vida paseando por los escenarios de esta pequeña zona rural y no haciendo gran cosa. No hay mucho más en el argumento de Non Non Biyori, y es que es un slice of life más preocupado en capturar los pequeños detalles mundanos del mundo, como los juegos de Renge y Natsume con los borradores para entretenerse o el cuidar de las mascotas de la clase. Pese a todo, hay algo muy hermoso y melancólico en la serie. A veces los personajes comienzan a hablar y la cámara se aleja de ellos para centrarse en los paisajes, dejándonos un par de minutos de preciosos escenarios para disfrutar. Renge y sus amigas comparten una hermosa de amistad salpicada de los varios pequeños problemas que se tienen cuando no se vive en una zona urbana. El mundo puede ser un lugar muy poco amable, y a veces necesitamos que la ficción nos deje entrever un mundo más tranquilo, amable, que nos ayude a olvidarnos de la tristeza del mundo que nos rodea y a acordarnos de los buenos amigos que tenemos.     – Cayla Coats


One-Punch Man
Estrenado en 2015
Madhouse / J.C. Staff

El manga web original de One-Punch Man de ONE fue un éxito con razón. Es desternillante y tiene una visión única de los clásicos tópicos de superhéroes, pero carecía de cierto componente: el inimitable estilo artístico de Yusuke Murata, dibujante de Eyeshield 21. Cuando el estudio Madhouse llevó esta historia al anime con su primera temporada, fue algo electrizante, y aunque la segunda temporada, producida por J.C. Staff, no alcanza estándares tan altos, sigue siendo una perfecta representación de qué hace que Saitama y el resto de ridículos héroes y monstruos del elenco tan atractivos.       – Joe Luster


Panty & Stocking with Garterbelt
Estrenado en 2010
Gainax

No vamos a mentir, y es que cuando desde Gainax mostraron las primeras imágenes de Panty & Stocking with Garterbelt todos pensamos lo mismo: “¿No se parece mucho este estilo a cierta serie occidental protagonizadas por tres niñas con poderes?”. Lo que no podíamos prever es que Gainax sacaría a relucir con ella su lado más gamberro y descarado, no amedrentándose con nada a la hora de animar la serie. Panty y Stocking son dos hermanas, ángeles realmente, que fueron expulsadas del cielo debido a su comportamiento… “inadecuado”, así que deben expiar su culpa cazando criaturas en Daten City bajo la desesperada supervisión de un también poco ortodoxo reverendo. Acción loca, situaciones surrealistas pero divertidas, y una animación fuera de lo común hacen de esta serie una de las más únicas que el mundo del anime nos ha ofrecido en la última década. Si eres capaz de soportar su excesiva soez y su forma banal de tratar algunos temas, la disfrutarás mucho.

   – Sergio Vaca

 


Parasyte -the maxim-
Estrenado en 2014
Madhouse

Esta década ha dado a luz a muchos proyectos animados que adaptaban mangas antiguos, y Parasyte -the maxim-fue uno de los mejores de esa lista. La historia de Shinichi Izumi y su mano derecha, un alienígena que se aferra a ella y la reemplaza, es un thriller sobrenatural que hace un trabajo excelente adaptando el material base a una nueva era. El viaje de Shinichi y las varias cuestiones morales sobre la humanidad y los alienígenas que poseen humanos, queda perfectamente trasladado a un anime producido décadas después del lanzamiento original del manga.     – Kyle Cardine


Planet With
Estrenado en 2018
J.C. Staff

Solo hay un puñado de animes a los que halagaría por cómo tratan su tema principal, y Planet With es uno de los principales. Una serie que aglutina momentos épicos con los personajes como para 52 episodios en tan solo 12, lidiando con conceptos puramente filosóficos como la justicia, el pacifismo y el imperialismo cultural, a la par que con la instropección personal, la búsqueda de redención y el perdón, todo aderezado con una amabilidad y una claridad moral dignas de elogio. Es una serie estupenda con un mensaje precioso que nunca me cansaré de recomendar.     – Paul Chapman


Pop Team Epic
Estrenado en 2018
Kamikaze Douga

Si no rascamos la superficie podemos describir esta serie como “una comedia de 11 minutos que luego repite lo mismo en su segunda parte pero solo cambia las voces”, lo cual no parece muy atractivo. Es más, la mayoría de la gente considera una pérdida de tiempo ver lo mismo dos veces. Vale, hay muchas cosas de Pop Team Epic que sobre el papel pintan terriblemente mal: chistes sin sentido, chistes internos de la industria del béisbol y humor de Internet sin sentido ni estructura, algo que seguramente la sitúen en la parte muy baja de las listas de “mejores series” de la mayoría de personas. Si viste el primer episodio de 24 minutos completo ya sabrás si amas u odias Pop Team Epic, pero también sabrás qué es lo que la hace tan única e impresionante. Pop Team Epic trasciende todas las razones lógicas sobre qué funciona o no funciona en un anime y se convierte en una de las comedias abstractas más geniales de los últimos 10 años. El reinado de terror de Popuko y Pipimi además se ve potenciado por la avalancha de voces legendarias del anime que participan en la serie. No sabemos cómo, pero Pop Team Epic FUNCIONA, y todos somos un poco mejores gracias a ello.      – Nicole Mejias


Princess Jellyfish
Estrenado en 2010
Brain’s Base

Es poco común encontrar animes escritos directamente para las aficionadas. Hay muchos animes con los que cualquier fan puede identificarse, pero uno en el que sea una chica la otaku protagonista, es menos frecuente, ya que lo habitual suele ser que sea otaku pero popular o muy guapa. Princess Jellyfish es una de esas gemas ocultas que no trata a las mujeres otakus como unicornios, criaturas extrañas, sino que profundiza en qué es ser una joven que gusta de ese tipo de vida. Ver la serie en la exposición de manga del Museo Británico no fue ninguna sorpresa, y es que se merece mucha atención tanto por su estupendo arte como por su tierna historia.     – Kara Dennison


PROMARE
Estrenado en 2019
Studio Trigger

Promare es puro Trigger concentrado: un gran impacto visual salpicado de personajes rebosantes de pasión, acción a raudales y una banda sonora excelente. Además, es una película que pavimenta el camino a futuros proyectos híbridos 2D/3D. Fue realmente emocionante ver cómo Promare evolucionaba desde su anuncio hasta su lanzamiento. Lo que comenzó siendo un anuncio en la AX con una sola imagen promocional, acabó contando con varias proyecciones en cines internacionales. Hay motivos para emocionarse cada vez que Hiroyuki Imaishi y Kazuki Nakashima colaboran, y Promare es el mejor ejemplo de ello. Esta ha sido una de las mejores experiencias cinematográficas de mi vida, una película preparada para liarla y que hace que la audiencia quiera formar parte de ella.     – Kyle Cardine

 


THE PROMISED NEVERLAND
Estrenado en 2019
Cloverworks

Los fans esperaban como agua de mayo una adaptación animada de THE PROMISED NEVERLAND desde mucho antes de que se anunciase, y es normal comprender por qué. La historia pasa de ser una de tranquilidad y calma, a una de terror existencial en cuestión de segundos, envolviéndonos con su engañoso mundo a cada paso que los protagonistas planifican su huida. Los ángulos de la cámara inducen a la paranoia, porque, ¿de quién es el punto de vista que estamos viendo? ¿Cuánto sabe cada personaje en cada momento? Con una segunda temporada en el horizonte y las heridas ya cerradas, este estupendo shonen no puede hacer más que subir más alto.     – Kara Dennison


PSYCHO-PASS
Estrenado en 2012
Production I.G

A inicios de la década vivimos el surgimiento de Gen Urobuchi como guionista de anime, en especial tras el lanzamiento de Psycho-Pass tras Puella Magi Madoka Magica y Fate/Zero. La serie nos traslada a un futuro en el que los algoritmos lo determinan todo, desde tu carrera hasta la moralidad, algo que suena terrorífico si pensamos que cada día lo vemos más en el mundo real. Psycho-Pass fue una serie provocadora en su momento y sigue destacando como serie de policías distópica en un futuro de ciencia ficción dentro del repertorio de Urobuchi.     – Kyle Cardine


Samurai Flamenco
Estrenado en 2013
Manglobe

No hay nada como un anime con uno de esos giros de guion que a media serie te revelan que lo que estabas viendo no es para nada lo que comenzaste a ver. Aunque series como GaoGaiGar te hacen eso a mitad de la historia, Samurai Flamenco te lo hace cada pocos episodios, añadiendo una capa más de locura a la historia. ¿Es una historia cómica? ¿Una de idols? ¿Un sentai? ¿Es real lo que estamos viendo? Entre tanto caos, también se convierte en una carta de amor al tokusatsu de siempre.   – Kara Dennison


Sarazanmai
Estrenado en 2019
MAPPA

Sarazanmai es visualmente impresionante. Es una serie con una estética digna de haber salido de la mano de una firma de diseño gráfico de alto nivel. A través de su arte abstracto y de sus toques de rojo y rosa, nos muestran una historia de conexiones y pérdidas. Tres chicos de secundaria (Kazuki, Enta y Toi) tienen cada uno sus propios problemas a la hora de formar vínculos con quienes tienen en su entorno. Mientras la serie se emitía se ganó fama de ser complicada de seguir o difícil de descifrar todo su contenido (o de tener demasiada relación con los traseros). Desde mi punto de vista, la serie solo quiere contarnos una sencilla historia sobre cómo permitimos que nuestro dolor nos impida crecer, y cómo ser valiente para acercarnos a alguien y conectar con él suele ser en muchas ocasiones la única forma de sanar ese dolor.  – Cayla Coats


Silver Spoon
Estrenado en 2013
A-1 Pictures

Silver Spoon logra algo que uno podría considerar imposible: hace que aprender sobre agricultura sea divertido. Hiromu Arakawa, creadora de Fullmetal Alchemist, nos lleva la granja a la mesa en forma de manga, y Tomohiko Ito nos lo convirtió en sserie para la pantalla antes de pasar el testito a Kotomi Deai para trabajar en Erased. Arakawa y el equipo de A-1 Pictures dieron vida a Obihiro, Hokkaido, donde viven los protagonistas en un pueblo cada vez más abandonado. Una historia de adolescencia y maduración en la que Hachiken abandona su hogar en la ciudad para ir a una granja en mitad de la nada, pero eso nos deja un argumento muy interesante y apacible que nos hace querer siempre más. Jamás pensé que tomaría tanto cariño a un cerdo.      – Daryl Harding

 


Sound! Euphonium
Estrenado en 2014
Kyoto Animation

Sound! Euphonium, la historia de adolescentes de los miembros de la banda de la Preparatoria Kitauji, es un placer completo para los sentidos. La animación es maravillosa, la música (tanto la de fondo como las piezas interpretadas por la banda escolar) es soberbia, y tanto los guiones como la dirección están al nivel de muchas de las mejores películas de imagen real que he visto. Lo que más me gusta de la serie es, sin duda, su protagonista, Kumiko Oumae. Kumiko se ha convertido en uno de mis personajes de ficción favoritos. Su crecimiento desde una chica algo perdida y apática, el de aquellos en su entorno, y su camino hasta convertirse en la encantadora persona que es al final de la serie, es un viaje que merece la pena ver. Que una serie muestre un personaje con objetivos claros y pasiones es algo común, pero Euphonium consigue, gracias a un guion genial y una animación de personajes inigualable, presentarnos a una joven completamente realista en su viaje por encontrar su camino en la vida. Haber conocido a Kumiko ha sido una de mis mejores experiencias como fan del anime.   – Cayla Coats


Space Brothers
Estrenado en 2012
A-1 Pictures

Crecer rodeados de historias de las misiones espaciales no era nada fuera de lo común en mi zona. La mayoría de niños de mi escuela eran hijos de científicos espaciales o ingenieros de la NASA, puesto que teníamos cerca unas grandes instalaciones. Space Brothers es uno de los pocos títulos, animados o no, que consiguen emular la sensación de amor, emoción y nivel de relación con todo esto. La historia de dos hermanos, cada cual con sus pasiones aeronáuticas, me llevó de regreso a aquella infancia en la que las estrellas me parecían tan cercanas como fuera de mi alcance. Fue inspirador seguir a Hibito, verlo perseguir su sueño, y a su hermano Mutta, retomando su sueño tras haber empezado mal. Además, ese opening es fantástico. Nunca es un mal momento para “Feel So Moon“.


Space Patrol Luluco
Estrenado en 2016
Studio Trigger

Considerando la gran dinámica por la que son tan bien conocidos, no hay mejor candidato en forma de serie de cortos que una producción de TRIGGER como Space Patrol Luluco. En sus episodios de apenas unos minutos destilan locura, pero tienen un núcleo claro que te hará volver a revisitarla de vez en cuando con el pasar de los años. Es el mejor ejemplo de “breve pero bueno”, y puede que hasta el momento sea mi obra menor favorita de TRIGGER e Imaishi.       – Joe Luster


SSSS.GRIDMAN
Estrenado en 2018
Studio Trigger

El género tokusatsu, el cual encapsula series como Godzilla, Kamen Rider o Super Sentai, tiene una larga historia en Japón, y SSSS.Gridman es todo un tributo al mismo. Héroe y monstruos parecen sacados directamente de un episodio de Ultraman, pero esta serie no es solo una serie repleta de homenajes que no merezca la pena ver si no buscas revolcarte en la nostalgia, de hecho, en sus doce episodios te presentan a un buen grupo de personajes (y villanos) estupendos, puedes ver estupendas luchas de kaiju, y disfrutar de un género que se disfruta incluso más si nunca viste un Godzilla contra Alguien. SSSS.Gridman fue una de las joyas ocultas de 2018 y merece ser disfrutada por la posteridad.   – Daniel Dockery


Sword Art Online
Estrenado en 2012
A-1 Pictures

Ah, Kirito, el protagonista definitivo de esos que son lo mejor en todo lo que hacen. Su aventura a lo largo de los varios mundos virtuales de Sword Art Online ha sido una montaña rusas de emociones desde aquel inicio de “si mueres en el juego, mueres en la vida real”, y A-1 Pictures ha sido capaz de responder con holgura en cada temporada para crear una de las más impresionantes adaptaciones de una serie de novelas ligeras hasta la fecha. SAO ha avanzado mucho desde aquel cambio de mitad de temporada, pero incluso aquella primera temporada regular ya me demostró que la historia tenía potencial.     – Joe Luster


Symphogear
Estrenado en 2012
Satelight/Encourage Films/Studio Pastoral

Una de las cosas más repetidas en el Anitwitter de 2019 es “¡Mira Symphogear!“, pero ¿por qué? Pues por muchas razones. La serie mezcla las magical girls, los robots gigantes y las idols y su determinación, algo así como Macross si idols y robots aparecieran a la vez. La animación es genial. La acción es épica. Las canciones son muy potentes, y de hecho las cantan en directo durante la acción. Las canciones son gritos de batalla, no temas grabados tras un micrófono para un CD. Y cada vez que piensas que no pueden llegar más alto, una nueva temporada te sorprende todavía más. En conclusión: el Anitwitter tiene razón. Miren todos Symphogear.       – Kara Dennison


The Tale of the Princess Kaguya
Estrenado en 2013
Studio Ghibli

En abril de 2018 el mundo perdió a Isao Takahata, director legendario, guionista y productor, además de cofundador de Studio Ghibli. Decir que esto dejó un hueco en el corazón de los fans del anime sería quedarse corto. Cinco años antes nos dejó la que sería su última película, The Tale of Princess Kaguya, una nueva versión de un clásico del folclore japonés. Desde su impresionante estilo de acuarelas a su elegante forma de contar la historia, Kaguya es un gran ejemplo de cómo Isao Takahata se convirtió sin armar mucho ruido en uno de los gigantes del anime. Es una película muy singular y toda una joya.      – Joe Luster


Tamako Market
Estrenado en 2013
Kyoto Animation

Aunque Tamako Market, una serie de televisión de Kyoto Animation, fue un tanto insustancial pese a ser agradable y convincente, lo cierto es que fue posiblemente la mejor historia de amor juvenil que nos han contado en toda la generación. La directora Naoko Yamada aprovecha por completo las capacidades del estudio a la hora de prestar atención a los detalles para ofrecernos una animación de personajes tan poderosa y evocativa que hace que los diálogos se conviertan en accesorios. El reparto de personajes rezuma de vida y de encanto, otorgando a cada pequeño momento de un peso emocional que uno no esperaría en una historia tan simple. Lo que ofrece es lo que te da: una historia de amor, y una muy sencilla y sin complicaciones. Pero con eso, Yamada es capaz de ponernos ante un producto que seremos capaces de rever una y otra vez.  – Miles Thomas


Tanaka-kun Is Always Listless
Estrenado en 2016
Silver Link

Podría escribir un párrafo lleno de pasión sobre qué hace que Tanaka-kun is Always Listless sea la epítome de “comedia con la que te identificas, lenta y tranquila”, pero sería algo poco respetuoso hacia el espíritu de la serie. Basta con decir que Tanaka es un joven muy holgazán, que su existencia es pereza pura, y que el ritmo de la serie es perfecto, siendo algo así como un baso de leche caliente que te calma el alma antes de ir a dormir. Y ahora quiero irme a dormir la siesta. ZZzzzz.      – Paul Chapman


The Tatami Galaxy
Estrenado en 2010
Madhouse

La retrospectiva es una tema serio. No todos pasaron sus años universitarios siendo narcisistas absortos con delirios de grandeza a la hora de pensar en qué les depararía la vida, aunque en mi caso esa descripción encaja como un guante con mis días de universidad, así que The Tatami Galaxy es como un plato de humildad para mí. Me la recomendó un amigo que me la describió como una mezcla entre Fight Club y Groundhog Day, y es una obra extremadamente literaria e hilarante de Maasaki Yuasa (basada en el manga de Tomihiko Morimi), y es la clase de obra que está en lo más alto de lo mejor del arte animado.

  – Paul Chapman


That Time I Got Reincarnated as a Slime
Estrenado en 2018
Eight Bit

El anime está repleto de adaptaciones de novelas de fantasía de corte isekai en las que los protagonistas renacen como seres todopoderosos en mundos de magia y espada, pero pocas series pueden presumir de tener un personaje tan amable como That Time I Got Reincarnated as a Slime. Aunque esto puede cambiar en la segunda temporada cuando Rimuru Tempest y el resto tomen contacto con el mundo exterior, siempre me gustará ver cómo se pueden resolver los problemas con empatía y voluntad de cooperar. Y puntos extra por tener a un personaje de género no binario como protagonista.      – Paul Chapman


Tiger & Bunny
Estrenado en 2011
Sunrise

Tiger and Bunny debía ser una serie más de acción y superhéroes en la que se añadían las corporaciones como patrocinadores y los medios jugando un gran papel en la percepción del heroísmo. Eso debía ser, pero acabó siendo una de las más sinceras representaciones de la vida adulta, la paternidad y la batalla constante de trabajar bajo presión y con consecuencias directas tanto para Kotetsu “Tiger” Kaburagi como para su compañero, Barnaby “Bunny” Brooks Jr.

Tiger and Bunny se merece estar en esta lista no solo por la profundidad de su narrativa, sino por la sutil forma que tiene de hacer que todos los personajes tengan un papel crucial a la hora de dar forma a la serie, desde el argumento que se desarrolla entre Kotetsu y Barnaby aprendiendo a confiar el uno en el otro, a Blue rose lidiando con la decisión de seguir siendo una heroína o perseguir su auténtico sueño de ser cantante, todo mientras Kotetsu y su hija interactúan y este casi pierde sus poderes. Tiger and Bunny no solo merece este sitio, es que sería increíble que no estuviera aquí.     – Humberto Saabedra


The Wind Rises
Estrenado en 2013
Studio Ghibli

La última película de Hayao Miyazaki es, en el fondo, sobre volar. Jiro Horikoshi, un disidente diseñador de algunos de los aviones de combate mortales utilizados por Japón en la Segunda Guerra Mundial, es nuestro protagonista. Cuando Miyazaki explora la vida de Horikoshi en la película nos permite disfrutar de escenas deliciosamente animadas de nuestro protagonista trabajando sin descanso, ajustando meticulosamente sus diseños con su lápiz y regla. La película mantiene una tensión constante entre el profundo amor de Jiro por su trabajo y el amor por su esposa, Nahoko. La historia consigue insuflar a Jiro (y al espectador) con las implicaciones de construir máquinas de guerra para un conflicto global cuando no se tienen nociones de cómo es realmente la guerra. Pese a todo, Miyazaki consigue ir más allá de la fachada de una forma sutil pero muy significativa. Se puede ver en la tos con sangre de Nahoko, síntoma de tuberculosis, o en la terrorífica representación del terremoto de Kanto en 1923. Hay un sutil pero trágico tira y afloja entre la pasión de Jiro diseñando aviones y el lado sensato, protagonizado por la vida con su familia y la ambigüedad moral de diseñar máquinas de guerra. Al final del filme no se nos da ningún juicio sobre Jiro, no nos lo ponen tan sencillo. Solo nos dejan una escena de posguerra con aviones atravesando un hermoso e infinito cielo, y a Nahoko brillando como el sol asomándose tras un cúmulo de nubes.    – Cayla Coats

 


Wolf Children
Estrenado en 2012
Studio Chizu

Wolf Children es una de las películas que más me han influenciado al presentar mensajes cruciales sobre el amor, el dolor, la lucha, la aceptación personal y muchos otros temas pese a su ambiente de cuento de hadas. Hay muchas cosas que adoro de esta película: la habilidad de conectar el realismo con una historia de ficción, un tema principal consistente y que se ve reflejado en los diferentes personajes, las escenas animadas y su banda sonora impresionantes por igual, así como la maravillosa visión del director. Mamoru Hosoda siempre me ha maravillado, pero en esta película en particular, su obra me impactó de tal manera que me hizo plantearme muchas cosas. Wolf Children me recuerda que debemos ser más compasivos, ponernos en la piel de los demás, pero más importante, no olvidarnos de los detalles que hacen que la vida sea como es.     – Reem Ali


Violet Evergarden
Estrenado en 2017
Kyoto Animation

Creo que puedo decir sin miedo que Violet Evergarden es uno de los animes de TV más hermosos jamás creados (hasta 2019). Esta serie de Kyoto Animation lidia con las ramificaciones de una adolescente huérfana, que herida por la guerra, intenta encontrar su lugar en el mundo hasta que encuentra su vocación en escribir cartas para otros y madurar junto a las personas que conoce Violet. El golpe emocional de la serie es mérito del mundo creado por Kana Akatsuki y al que dan forma el director Taichi Ishidate y la guionista Reiko Yoshida.

En mi caso, cada episodio fue una montaña rusa de emociones que me emocionaba y entristecía, me hacía sentir empatía y mucho más. Solo el equipo de Kyoto Animation podría crear algo tan mágico como Violet Evergarden, lo que hace que sea una serie imprescindible.     – Daryl Harding

 


ZOMBIE LAND SAGA
Estrenado en 2018
MAPPA

ZOMBIE LAND SAGA es una historia que acabó siendo una parodia a la industria de las idols. El (aparente) desprecio absoluto del productor Tatsumi Kotarou por el bienestar de las chicas parecía un vistazo en tono de humor al estrés que sufren las idols reales tras el telón. ¡Pero esto solo es el inicio! La historia nos presenta unos personajes con historias interesantes y destila humor, además de gozar de una animación excelentes, todo aderezado con las grandes actuaciones (y temáticas) de las chicas en cada episodio… con mención especial al episodio de Lily y su conmovedora actuación.

ZOMBIE LAND SAGA me hizo amar un género que evitaba como la peste hasta el momento. Tal vez deba dar una segunda oportunidad a Love Live algún día.. …     – Rene Kayser