Top 100 Anime des Jahrzehnts: Platz 100-26


Aggretsuko
Veröffentlicht in 2018
Fanworks

25, Single, vom Boss ausgebeutet und frustriert – Das Leben ist hart für Retsuko, eine anthropomorphische Rote-Panda-Dame. Wir alle kennen es: Es läuft nicht immer so, wie man es sich vorstellt und das nimmt einen mit…und wenn Retsuko ihren Frust rauslassen möchte, geht sie zur Karaoke-Bar und growlt ihre liebsten Death-Metal-Tracks. Einfach nur nachvollziehbar und liebenswert.

Mit einer guten Mischung aus charmanten Charakteren und einer guten Prise Humor erweckt Fanworks diese Sanrio-Marke zum Leben – auf eine sehr einzigartige und unterhaltsame Weise. In Aggretsuko geht es nur um das Leben einer Panda-Dame in einer grausam brutalen Welt…und darum lieben wir diese Serie.

– Carlos Moncken


The Ancient Magus Bride
Veröffentlicht in 2016
Wit Studio

Was ist die stärkste Magie der Welt? Chise Hatori wurde einen Großteil ihres Lebens von magischen Kreaturen gequält, was zu jeder Menge Trauma in ihrer Kindheit führte. Aber eines Tages findet sie sich weit entfernt von Japan wieder – zusammen lebend mit einem Magier, welcher ihr seine Künste beibringt. Mit dem Wachsen ihrer magischen Fähigkeiten gelingt es ihr auch, sich anderen gegenüber zu öffnen. Das Böse in The Ancient Magus‘ Bride ist recht komplex – so ziemlich jeder antagonistische Akt erfolgt weniger aus bösen Intentionen, sondern viel eher aus Leid und Schmerz eines Charakters. Chise lernt immer mehr über Magie, aber sie lernt auch, Verbindungen zu anderen Leuten aufzubauen. Sie ist in der Lage, den Schmerz anderer zu fühlen und durch ihre eigenen Erfahrungen nachzuvollziehen. So kann sie ein scheinbar unaufhaltbares Böse bezwingen. Was ist also die stärkste Magie der Welt? Chise Hatori zeigt, dass die Antwort Empathie heißen könnte. – Cayla Coats


Anohana: The Flower We Saw that Day
Veröffentlicht in 2011
A-1 Pictures

Das erste Originalwerk der Super Peace Busters (ein Team bestehend aus Autorin Mari Okada, Animator und Charakterdesigner Masayoshi Tanaka und Regisseur Tatsuyuki Nagai) hat die Tränendrüsen in der ganzen Welt zum Platzen gebracht. Das erste Projekt dieses Teams brachte uns Toradora! und mit Anohana erweckten sie Okadas Heimat Chichibu zum Leben. Sie präsentierten uns eine Gruppe Kinder, welchen eine Tragödie widerfahren ist dun welche  nun zusammen ihr Trauma verarbeiten. AnoHana zementierte Mari Okadas Status in der Anime-Community – und das aus gutem Grund! Jedes Werk der Super Peace Busters ist ein Must Watch. Alleine mir das Opening nach all den Jahren noch mal anzugucken, bringt mich den Tränen nahe. Dieses Team zieht so stark an deinen Herzenssträngen, dass man es selbst noch nach einer Dekade spürt.     – Daryl Harding


Asobi Asobase – workshop of fun –
Veröffentlicht in 2018
Lerche

2018 veröffentlichte das Studio Lerche die Anime-Adaption von Asobi Asobase, welche auf zahlreiche Gegensätzlichkeiten aufbaut. Das lässt sich am besten bereits mit dem Opening beschreiben. Erst werden die Protagonistinnen als romantisch süße Mädchen dargestellt, nur um sie kurz darauf als Heavy-Metal-Band spielen zu sehen, ähnlich der Band BABYMETAL. Die Hauptfiguren sind drei Schülerinnen, die ihren eigenen Kulturclub gründen, in dem sie ihre Zeit mit verschiedenen Spielen verbringen. Normalerweise überschreiten ihre Ideen schnell die Grenzen des harmlosen Spaßes und so geraten sie in die ein oder andere unangenehme Situation. Die Witze der Schülerinnen sind unerwartet und erinnern etwa an Monty Pythons “Spanische Inquisition”. Der Kontrast zwischen dem Süßen und dem Gewagten ist zentraler Bestandteil von Asobi Asobase, was es zu einer der denkwürdigsten Gag-Comedy-Serien der letzten Jahre macht.    – Azaly Zeldin


Barakamon
Veröffentlicht in 2014
Kinema Citrus

Ich betrachte Barakamon als eine der süßesten und beruhigendsten Shows. Handas tägliche Erfahrungen mit den Inselbewohnern brachten mir Lachanfälle und erinnerten mich gleichzeitig an die kleinen Dinge, die wir normalerweise für selbstverständlich halten. Der angenehmste Aspekt der Serie ist die herzliche Atmosphäre, die durch dieses wunderbare Kunstwerk strömt. Barakamon ist eine liebenswerte Serie voller Heiterkeit und Inspiration, die irgendwie etwas in mir ansprach. Ich bin froh, dass ich diesen Anime gesehen habe.    – Reem Ali

 


Black Clover
Veröffentlicht in 2017
Studio Pierrot

Asta hat etwas an ihm, das ihn sofort liebenswürdig macht. Er ist ein junges Kind, das keinerlei magische Fähigkeiten hat, aber dennoch zum König der Magier werden will – und so muss er halt ein bisschen härter arbeiten und ein bisschen lauter schreien als alle anderen. Dies macht Black Clover nicht nur zu einem spannenden Abenteuer, sondern auch zu einer der reinsten Underdog-Geschichten in Anime, indem es die Träume all jener widerspiegelt, denen immer wieder gesagt wurde, dass sie etwas nicht schaffen, nur um danach doch weiterzumachen. Mit einer dynamischen Story, einer ganzen Schatzkammer an Charakteren (der Schwarze Stier bringt uns die liebenswürdigsten seit den Strohhüten) und soliden Action-Szenen wurde Black Clover zu einem erfreulichen Teil meines wöchentlichen Rhythmus.  – Dan Dockery


Bungo Stray Dogs
Veröffentlicht in 2016
Studio Bones

Bungo Stray Dogs ist unbestreitbar ein Kunstwerk und verfügt über ansprechende Charakterdesigns, ikonische Kleidung und erstaunliche Songs. Es gibt zahlreiche Anime mit den gleichen Eigenschaften, aber der Grund, warum ich diese Serie so sehr geschätzt habe, ist ihre Verbindung zur Literatur. Jede Hauptfigur, auch die Detektive und Antagonisten, tragen die Namen berühmter Schriftsteller und ihre besonderen Fähigkeiten tragen die Namen der Werke der Autoren. Auch das Verhalten und die Eigenheiten der Charaktere werden von den Autoren und ihren jeweiligen Romanen inspiriert. Als ich diesen Anime sah, wollte ich weiter recherchieren, um die Referenzen zu verstehen und so viele Eastereggs wie möglich zu entdecken.
– Francesco Ventura

 

 


Chihayafuru
Veröffentlicht in 2011
Madhouse

Für eine Serie, die nur vom das japanische Kartenspiel Karuta handeln sollte, wurde Chihayafuru zu etwas mehr als nur eine Serie über ein Kartenspiel. Es ist ein Anime, der nicht nur das Spiel definiert und die Regeln ausführlich detailliert, sondern auch Wachstum und Reife im Umgang mit dem selbst auferlegten Druck beschreibt. Dieser Druck besteht darin, der weltbeste Spieler eines Kartenspiels zu werden, das auf japanischer Poesie basiert, welches nur in Japan gespielt und ernst genommen wird. Man könnte erwarten, dass eine solche Serie trocken und uninteressant ist, aber Chihayas Reise vom fröhlichen Neuling zur weisen und gut geübten Spielerin ist der Grund, warum die Serie so besonders ist.   – Humberto Saabedra

 


Das Verschwinden der Haruhi Suzumiya
Veröffentlicht in 2010
Kyoto Animation

Während ich mich durch meine Jugend schlug, wurde ich häufig mit der Idee konfrontiert, mich doch auf “erwachsenere” Dinge zu konzentrieren. “Wieso liest du Comics? Das ist doch Kinderkacke!”, “Wen juckt schon die Geschichte von irgendwelchen Spielen?” und “Das ist doch nur Zeichentrick, wieso sollte ein Erwachsener sowas gucken?” sind alles Sätze, die mir über die Jahre so oft an den Kopf geworfen wurden, dass ich die Legitimität meiner eigenen Vorlieben häufig infrage gestellt habe. Doch dann sah ich Das Verschwinden der Haruhi Suzumiya – ein Film, der die simple Frage stellt: “Wieso sollte es nicht okay sein, Spaß an Dingen zu haben, die einem Freude bereiten?”. Kyons Weg zur Epiphanie, dass man von Dingen unterhalten werden kann – ja, unterhalten werden DARF – auch wenn sie nicht realistisch oder “erwachen” sind, haben mir enorm dabei geholfen, für das einzustehen, was ich liebte. Wahrscheinlich würde ich heute nicht einmal bei Crunchyroll arbeiten, wenn es diesen Film nicht gegeben hätte.   – René Kayser


Dororo
Veröffentlicht in 2019
MAPPA

Auch wenn ich Dororo künstlerisch erfüllend finde, ist die Kunst nicht das, was ich an diesem Anime am meisten geliebt habe, sondern die Themen und deren Behandlung im gesamten Anime. Die Geschichte wird von dem jungen Dororo erzählt, auch wenn Hyakkimaru der Held und das Opfer der erzählten Ereignisse zu sein scheint. Was mich am meisten fasziniert, ist Hyakkimarus Suche und Vorliebe für seine menschliche Teile, obwohl er mächtigere dafür aber unmenschliche Prothesen besitzt. Dororo ist eine Neuinterpretation einer Cyberpunk-Geschichte: Die Suche nach seiner eigenen Schwäche und der wunderbaren menschlichen Zerbrechlichkeit..     – Francesco Ventura


Dragon Ball Super
Veröffentlicht in 2015
Toei Animation

Jeder Anime, der auf einem willensstarken guten Kerl basiert, der einen anderen weniger willensstarken bösen Kerl schlägt, hat seine Wurzeln in Dragon Ball. Sein Einfluss sollte nicht unterschätzt werden und sein Vermächtnis ist enorm. Doch wie passte Dragon Ball in die 2010er Jahre – in das Zeitalter von Titeln wie My Hero Academia oder One Piece? Nun, eigentlich ganz gut. Dragon Ball Super versucht nie, das “Z” seines Vorgängers zu “übertrumpfen”, sondern gibt uns einen breiteren Blick auf die unterstützenden Charaktere des Franchises – was zu einer Art Ausgleich zu Son Gokus Kämpfen, die wir natürlich trotzdem wollen (und verdienen), führt. Es wird wahrscheinlich nie wieder der revolutionärste Manga/Anime der Geschichte sein, aber Super beweist, dass Akira Toriyamas klassische Welt und Charaktere für immer willkommen sein werden.    – Daniel Dockery


Durarara!
Veröffentlicht in 2010
Brain’s Base

Durarara! erzählt eine Geschichte von Banden, die sich auf der Straße gegenüberstehen, einer mysteriöse Internetgruppe namens “Dollars”, einem Unternehmen mit zweifelhaften Absichten und wagt es sogar, ein übernatürliches Element hinzuzufügen. Trotz der Einbeziehung zahlreicher Elemente gelingt es dem Anime, dass mehrere Charaktere uns verschiedene Perspektiven auf diese Ereignisse zeigen, sodass wir uns wirklich in die Geschichte involviert fühlen und uns die unerwarteten Wendungen immer wieder aus den Socken hauen. Die Entdeckung dessen, was sich hinter den “Dollars” verbirgt, ermöglicht es dem Zuschauer, in eine Geschichte von Gewalt, Überraschungen und Verrat einzutauchen, die man beim ersten Anschauen der Show vielleicht nie erwarten würde.    – Sergio Vaca


The Eccentric Family
Veröffentlicht in 2013
P.A. Works

Seit seiner Gründung hat P.A. Works mit verschiedenen Orten zusammengearbeitet, um die liebsten Städte seiner Mitarbeiter in Japan zu zelebrieren. Und während sich viele ihrer Serien auf ländliche Gebiete konzentrieren, zeigt uns The Eccentric Family den Versuch des Studios, Kyoto in all seinen Facetten darzustellen. The Eccentric Family erzählt eine zeitlose Geschichte, wie größere Ambitionen zu noch größeren Ergebnissen führen können – vor allem, wenn die eigene Verwandtschaft konstant Gefahr läuft, im Eintopf eines Tengu zu landen. Die Fantasy-Elemente der Serie stellen sich eher als magischer Realismus dar und ihre gestaltwandelnden Tanuki sowie fliegenden Tengu haben zwar ihre mystischen Eigenschaften, doch sind stets in der Mystik Kyotos begründet, wodurch sie eine Brücke zwischen Parabel und Metapher schlagen. Normalerweise verstecken sich solche künstlerischen Ambitionen hinter weniger zugänglichen Geschichten, doch The Eccentric Family fängt einen Wasserfall an Emotionen in einem der unterhaltsamsten single-cour Anime der Dekade ein.    – Miles Thomas


ERASED!
Veröffentlicht in 2016
A-1 Pictures

Eine Serie, in der nichts so ist, wie es auf den ersten Blick zu sein scheint und den Zuschauer dafür belohnt, dass er sich absichtlichen in die Irre führen lässt. Der Anime wurde für sein Writing, sein Pacing und seine Animation gelobt, als es 2016 zum ersten Mal als Teil des ehrwürdigen Noitamina-Blocks ausgestrahlt wurde. Was den Anime für viele Menschen seitdem so interessant macht, ist allerdings die einzigartige Sichtweise auf die Zeitreise-Mechanik. Diese ist eher dem Bereich Mystery zuzuordnen als dem der Science-Fiction. Wenn ihr nach etwas sucht, was eure vollständige Aufmerksamkeit erfordert, ist diese 12-Episoden-Serie perfekt dafür geeignet.   – Humberto Saabedra


Evangelion 3.0 You Can (Not) Redo
Veröffentlicht in 2012
Studio Khara

Manchmal habe ich das Gefühl, als hätte ich Evangelion 3.0 You Can (Not) Redo in einem Fiebertraum gesehen. Ich werde an die Handlung erinnert und denke: “Wow, das ist wirklich passiert?” Eva 3.0 ist definitiv einer der anspruchsvollsten Parts der Evangelion-Reihe, aber es ist auch der Teil der Rebuild-Serie, der einen nachhaltigen Eindruck hinterlassen hat. Das Setzen der 3.0 vor den Titel ist auch eine Anerkennung an Annos, wie er mit den Rebuild-Filmen in diesem Jahrzehnt vorgegangen ist. Generell muss man auch hervorheben wie das Franchise insgesamt weiterhin seine Charaktere, seine Handlung und sein Publikum so viele Jahre später vorantreibt. Allerdings habe auch ich keine Ahnung, wie Anno plant, diese Serie im Jahr 2020 abzuschließen – und ist das ehrlich gesagt sehr aufregend    – Kyle Cardine


Fate/stay night: Unlimited Blade Works
Veröffentlicht in 2014
ufotable

Ufotables heißersehntes Follow-Up zu Fate/Zero ist die zweite Adaption der Unlimited-Blade-Works-Route der Fate/Stay-Night-Visual-Novel. Die preisgekrönte Serie stellt eine technologische Entwicklung zu ihrem Vorgänger da und bietet einige der besten 3D-Hintergründe und Effekte, die man in TV-Anime zu sehen bekommt (und wird nur wirklich von anderen Ufotable-Werken wie der Heaven’s-Feel-Trilogie und Demon Slayer übertroffen). Kombiniert mit einer gut geschrieben Story und erstklassiger Regie stellt Fate/Stay Night: Unlimited Blade Works ein wahres Meisterwerk da und ist ohne Frage eine der bisher besten Fate-Serien. Außerdem ist Rin Best Girl. – Daryl Harding


FLIP FLAPPERS
Veröffentlicht in 2016
Studio 3Hz

Manche Geschichten verstecken ihre wahre Bedeutung gerne schon mal hinter Metaphern, aber nur wenige Anime sind so symbolisch, ästhetisch und emotional wie FLIP FLAPPERS. Die Story verspricht fröhliche Magical-Girl-Abenteuer nur um einem den Teppich unter den Füßen wegzuziehen und präsentiert stattdessen eine Reise der Selbstfindung, welche wesentlich dunkler ist als alles, was man zunächst erwartet hätte. FLIP FLAPPERS ist ein Werk, dass wesentlich mehr Aufmerksamkeit verdient und mehr diskutiert werden sollte.   – Paul Chapman

 


 Flying Witch
Veröffentlicht in 2016
J.C. Staff

Flying Witch verhexte die Massen mit einer charmanten Adaption des Hexen-Genres. Anstelle von europäischen Dörfern werden die Tropen solcher Geschichten in das ländliche Japan verpflanzt. Auch wenn die Serie voller Magie ist, ist dies nicht, was diese Serie so magisch macht. Stattdessen stehen die Charaktere im Mittelpunkt: Alle sind wunderbar ausgearbeitet und es ist einfach schön, sie im Verlauf der Serie kennenzulernen. Flying Witch ist eine herrliche Serie und so süß wie der Kuchen des Café Concrucio.    
– Daryl Harding


 
Food Wars!: Shokugeki no Soma
Veröffentlicht in 2015
J.C. Staff

So wie That Time I Got Reincarnated As A Slime mich von Isekai-Anime überzeugen konnte, hat Food Wars! gezeigt, dass es in Action-Animes nicht nur darum geht, wer am härtesten zuschlagen kann. Food Wars! gesellt sich für mich zu Yu-Gi-Oh! als eine der besten Kampfserien, in der es nicht um physische Kämpfe geht. Die spannende Geschichte von Soma und Co., welche sich durch die Schule, Turniere, Festivals und diverse Kochwettbewerbe schlagen, ist so aufregend wie jeder Kampf auf Leben und Tod. Auch wenn die Serie schon in ihrer vierten Staffel ist, gibt es keinen anderen Koch-Anime, der ihr das Wasser reichen könnte.  – Daniel Dockery


GATCHAMAN CROWDS
Veröffentlicht in 2013
Tatsunoko Production

Gatchaman Crowds hätte ein langweiliges Remake des Tatsunoko-Klassikers sein können, doch Regisseur Kenji Nakamura (tsuritama), Autor Toshiya Ōno und der Rest des Produktionsteams haben wesentlich mehr angestrebt. Stattdessen bekommen wir eine wahrhaftige Modernisierung des Franchises mit einer zeitgemäßen Story und vielen Grautönen anstelle eines simplen schwarzweißen Konfliktes, wie man ihn in den Vorgängern dieser Serie sieht. Kombiniert mit farbenfrohen Designs, einem exzellenten Cast an Charakteren und grandioser und guter Action erhält man eine Serie, die man sich ruhig öfter ansehen kann.      – Joe Luster  


Golden Kamuy
Veröffentlicht in 2018
Geno Studio

Gatchaman Crowds hätte ein langweiliges Remake des Tatsunoko-Klassikers sein können, doch Regisseur Kenji Nakamura (tsuritama), Autor Toshiya Ōno und der Rest des Produktionsteams haben wesentlich mehr angestrebt. Stattdessen bekommen wir eine wahrhaftige Modernisierung des Franchises mit einer zeitgemäßen Story und vielen Grautönen anstelle eines simplen schwarzweißen Konfliktes, wie man ihn in den Vorgängern dieser Serie sieht. Kombiniert mit farbenfrohen Designs, einem exzellenten Cast an Charakteren und grandioser und guter Action erhält man eine Serie, die man sich ruhig öfter ansehen kann.  – Francesco Ventura

 


Haikyu!!
Veröffentlicht in 2017
Production I.G.

Es gibt keine Serie, die ich so liebe wie Haikyuu!!. Genau wie Shoyo Hinata hat mich diese diese leidenschaftliche Volleyball-Serie mitgerissen. Was Haikyuu!! aber wirklich besonders macht, sind die Charaktere, die enge Beziehung, die sie haben und ihr Streben nach Erfolg. Die dritte Staffel, die sich mit nur einem einzigen Match beschäftigt, gehört zu den spannendsten Dingen, die ich je im Fernsehen gesehen habe. Haikyuu!! ist ohne Frage eine der besten Serien der Dekade und ich freue mich schon darauf, dass es nächstes Jahr weiter geht.    – Kyle Cardine

 


Humanity Has Declined
Veröffentlicht in 2012
AIC A.S.T.A

Man nehme süße Pastellfarben, etwas Nihilismus und surrealen Humor, mixe dies zusammen und man bekommt Humanity Has Declined, eine postapokalyptische Serie, die zeigt, dass der Verfall der menschlichen Zivilisation vielleicht gar nicht so schlimm ist. Clever, zynisch und einfach nur seltsam. Humanity Has Declined ist aber auch überraschend sentimental. Wenn eine Serie so gut ist, dass dich die Leiden eines einsamen Satelliten rühren, dann ist sie definitiv sehenswert.    – Paul Chapman


Hyouka
Veröffentlicht in 2012
Kyoto Animation

Ich liebe das Mystery-Genre! Und ich liebe es, große Geheimnisse zu lüften! Ich bin ein sehr neugieriger Mensch und nur wenige Dinge ziehen mich so in den Bann wie eine gute Mystery-Geschichte – was auch der Grund ist, wieso ich Hyouka mit all seinen Arten, gegen Genre-Tropen zu arbeiten, so liebe.

Van Dines siebte Regel besagt, dass “Kein geringeres Verbrechen als Mord akzeptabel ist“, um eine gute Mystery-Geschichte zu erzählen, doch Hyouka erblickt diese Regel und rennt so weit wie möglich in die andere Richtung. Stattdessen konzentriert es sich auf vermeintlich langweilige Alltagsmysterien, die jedem von uns über den Weg laufen könnten, und lässt uns so eine viel tiefere Bindung zu seinem Cast aufbauen. Gepaart mit der wunderschönen Animation aus dem Hause KyoAni und der fantastischen Regie des mittlerweile leider verstorbenen Yasuhiro Takemoto steht man diesen Charakteren näher, als man es irgendeinem allwissenden, hochnäsigen Detektiv je könnte.

Außerdem muss ich noch gesondert dem unglaublichen Twist im zweiten Arc der Serie applaudieren. Nicht einmal Umineko hat es geschafft, mit einer vermeintlichen simplen Frage nach einem Seil derart wegzublasen.  – Rene Kayser


In This Corner of the World
Veröffentlicht in 2016
MAPPA

In this Corner of the World zeigt den Zweiten Weltkrieg in einer eher untypischen Art und Weise für einen Kriegsfilm: Langweilig. Während andere Film über die Kriegszeit Japans sich eher auf die Soldaten und eine Glorifizierung des Kampfes konzentrieren, beschäftigt sich In This Corner of the World mit dem Alltagsleben der Bevölkerung und die Opfer, die sie in solchen Zeiten bringen müssen, um zu überleben. Der Film ist auch einfach eine Erfolgsgeschichte für Regisseur Sunao Katabuchi und Studio MAPPA. Es startete als ein Crowdfunding-Projekt und gewann letzten Endes zahllose Awards, einschließlich dem 40th Japan Academy Prize for Best Animation. MAPPA war so erfolgreich darin, Fumiyo Konos Manga über das Leben außerhalb Hiroshimas vor, während und nach dem Krieg zum Leben zu erwecken, dass man In This Cornern of the World zu Klassikern wie Die letzten Glühwürmchen und Barfuß durch Hiroshima zählen sollte.    – Kyle Cardine

 


Kabaneri of the Iron Fortress
Veröffentlicht in 2016
Wit Studio

Es ist eigentlich nicht wirklich fair, Kabaneri of the Iron Fortress mit Attack on Titan gleichzusetzen, aber wenn es hilft, alle davon zu überzeugen, sich die Serie anzugucken, so sei es! Abgesehen von der atemberaubenden Animation und den coolen Hintergründen gibt es nichts, was ich an diesem Anime mehr liebe als die distinktiven Charakterdesigns, die an OVAs der 80er erinnern. Dies macht auch viel Sinn, wenn man bedenkt, dass die Charaktere von Haruhiko Mikimoto designt wurden, welcher schon Charaktere für Macross, Mobile Suit Gundam 0080 und Megazone 23 kreierte.     – Joe Luster


Kaguya-sama: Love is War
Veröffentlicht in 2019
A-1 Pictures

Es gibt viele Anime mit “Tun sie’s oder Tun sie’s nicht?“-Geschichten – doch Kaguya-sama: Love is War wagt sich tief in das Schlachtfeld und triumphiert als eine der besten Romcoms aller Zeiten. Kaguya-samas Regisseur Shinichi Omata – unter dem Pseudonym Mamoru Hatakeyama – hat sein Handwerk durch die Mitarbeit an Serien wie Madoka Magica und Arakawa Under The Bridge bei Shaft gelernt und den Shaft-Stil kann man zusammen mit Omatas persönlicher Note auch in Kaguya-sama finden. Zusammen mit genauen Animationen, der liebevolle Beziehung zwischen allen Mitgliedern des Schulrats, super Gags und Chika – und man bekommt eine Serie, der man absolut verfällt (besonders dem Ending in Folge 3!)   – Daryl Harding


Kids on the Slope
Veröffentlicht in 2012
MAPPA

Falls Cowboy Bebop und Samurai Champloo es nicht offensichtlich genug gemacht haben sollten: Shinichiro Watanabe und Musik gehören in Anime zusammen wie Erdnussbutter und Schokolade. Die Perfektion dieser Kombination wurde nochmal durch MAPPAs und Tezuka Productions Adaption von Yuki Kodamas Manga Kids on the Slope bestätigt. Zuerst locken die liebevoll animierten Jazz-Jams und der Yoko-Kanno-Soundtrack, doch bleiben tut man für die ergreifende Geschichte über Freundschaften, welche den Test der Zeit bestehen.   – Joe Luster


Katanagatari
Veröffentlicht in 2010
White Fox

Katanagatari ist sehr, sehr gut und bietet mit das beste Character Writing und die besten Action-Choreographien der meisten TV-Anime, aber es ist wirklich nicht für jeden gemacht. Erstens ist jede Folge doppelt so lang wie eine reguläre Animefolge (um die 50 Minuten). Zweitens wird sehr viel…geredet. Ungefähr 60-70% jeder Folge besteht aus Dialogen, denen man in der Regel nicht ganz so leicht folgen kann. ABER trotz dieser Einstiegshürden belohnt einen Katanagatari enorm mit Plotementen, die in jeder Folge eingeführt werden und auf wunderbare Art ihren Payoff im zweiteiligen Finale haben. Der simple Artstyle ist charmant und gibt den Animatoren jede Menge Spielraum für absolut atemberaubende Kampfszenen. Die Protagonisten Shichika (ein einfältiges Landei mit Superkräften) und Togame (eine enorm intelligente, jedoch auch zickige Tsundere) bieten eine meiner liebsten Charakter-Dynamiken seit ich das erste Mal Samurai Champloo gesehen habe und mich von ihnen am Ende der Serie zu verabschieden, hat mich enorm traurig gemacht. Und bleibt auf jeden Fall dran, um ein Ende zu erleben, das euch auf jeden Fall die Tränen in die Augen treibt. Es ist eins von diesen Enden. – Cayla Coats


Kino’s Journey -the Beautiful World-
Veröffentlicht in 2017
Lerche

Die erste Adaption von Kinos Reise in 2003 war eine zum Nachdenken anregende Serie, die einen mit seiner melancholischen Atmosphäre gefesselt hat. Dank den simplen Charakterdesigns und detailarmen Hintergründen konnte man die Serie nicht unbedingt schön nennen, aber genau darin lag irgendwo die Schönheit. 

Die 2017er Adaption von Studio Lerche wiederum ist ganz anders: Mit lebhafter Belichtung und Designs im Moe-Stil – doch der Kern ist immer noch derselbe. Kino’s Journey ist eine Sammlung philosophischer Parabeln über Moralität, Politik und persönlicher Freiheit. Sie versucht nicht ihren Vorgänger zu übertreffen, stattdessen lässt uns die 2017er Adaption die Geschichte von Kino von einer modernen Perspektive aus betrachten. Die 2003er Adaption zeigte uns, dass die Welt nicht nur schwarz und weiß ist – die 2017 Adaption brachte Farbe in die Welt.    – Azaly Zeldin


K-on!!
Veröffentlicht in 2010
Kyoto Animation

K-ON!! gehört zu den Serien, welche die erste Hälfte der Dekade geprägt haben. Man sieht ihren Einfluss in Serien wie Yuru Yuri. Regie führte bei diesem Meisterwerk von Kyoto Animation Naoko Yamada und es setzte mit cleveren Gesprächen, realistischen Beziehungen, wunderschönen Animationen und großartiger Musik neue Standards für das Slice-of-Life-Genre. Für mich waren diese Mädchen wie Freunde, Leute, die ich glücklich sehen wollte. Letzten Endes konnte bisher keine Serie mich so berühren wie K-ON!!. Das Sequel zu Yamada erstem Werk (K-ON! 2009) ist so erwärmend wie eine heiße Tasse Tee im Winter..    – Daryl Harding

 


Kyousougiga
Veröffentlicht in 2013
Toei Animation

Kyousougiga hat den Ruf, so verrückt zu sein, dass es schwierig ist, der Handlung zu folgen – nicht ganz ungleich den Reaktionen, mit denen Serien wie FLCL und Paranoia Agent zu kämpfen hatten. Aber ernsthaft, sobald man über die farbenfrohe abstrakte Ästhetik und dem in einem Gemälde gefangenen Parallel-Welt-Kyoto hinwegsieht, ist die Serie nicht so komplex. Ein Mädchen möchte ihren verschwundenen Vater finden; drei Geschwister, die damit kämpfen, den hohen Erwartungen gerecht zu werden, welche vom Ruf ihrer Eltern herrührt und ein Liebespaar voller Makel, die aber dennoch versuchen, gute Eltern zu sein. Es ist eine Geschichte über Familie. Zugegebenermaßen, es ist recht schwer, den ersten zwei Folgen der Serie zu folgen, doch das lebhafte Setting, überragende Animation und, am allerwichtigsten, der liebenswürdige Cast der Serie halten einen an der Stange, bis alles zusammenkommt. Kyousougiga lässt sich mit keinen Anime den ich je gesehen habe, vergleichen und es ist eine liebevoll erzählte Story, die ich mit jedem teilen möchte – Cayla Coats


 

Laid-Back Camp
Veröffentlicht in 2018
C Station

Laid-Back Camp ist der comfigste Anime, der jemals geschaffen wurde. Normalerweise würde ich so nichts außer einer Couch beschreiben, aber es hat seinen Grund, dass der Anime sich so eine treue Gefolgschaft aufgebaut hat. Iyashikei. oder “heilende Anime”, sind ein erfreuliches Slice-of-Life-Medium. Sie sind mehr eine Meditation, die Schönheit der Dinge zu genießen, die wir jeden Tag übersehen, als eine spannende Story voller Cliffhanger. Man geht eher in sich als konstant mit dem Material an sich konfrontiert zu werden. Es ist schwer, das Genre jemandem nahe zu bringen, der nicht bereits auf Slice of Life steht, da es in anderen Medien keine wirklich Analogie gibt, doch Laid-Back Camp taut mit der Comfiness seiner 12 Folgen auch das kälteste Herz auf. Iyashikei kann man nicht wirklich auf ein bestimmte Podest stellen, doch die herzlichen Abenteuer der fünf Camperinnen am Mt. Fuji stellen ein sehr gutes Beispiel dar.    – Miles Thomas


Land of the Lustrous
Veröffentlicht in 2017
Studio Orange

Falls ihr aus irgendeinem Grunde immer noch skeptisch seid, ob 3D-Anime was taugen, hört auf, diesen Artikel zu lesen und seht euch Land of the Lustrous an. Es gibt keinen besseren Anime, um zu zeigen, dass ein komplett 3D-animiertes Projekt nicht nur möglich ist, sondern auch jegliche Erwartungen übertreffen kann. Nicht nur hat Studio Oranges visueller Stil auch US-Produktionen beeinflusst (Besonders Spider-Man: A New Universe, ein Film der wiederum nun japanische Künstler beeinflusst), Land of the Lustrous’ erschütternde Story über den Verlust der Jugend und dem Misstrauen gegenüber der Autorität zieht einen geradezu in seinen Bann. Jeder sollte diese Serie gesehen haben. #JusticeForLustrous!!!    – Kyle Cardine


Little Witch Academia
Veröffentlicht in 2013
Studio Trigger

Was als ein Nebenprojekt für junge Animatoren anfing, gewann über Nacht die Herzen von Fan weltweit. Little Witch Academia vermischt den distinktiven Stil von Studio TRIGGER (besonders den von Gurren-Lagann-Animationsdesigner Yoh Yoshinari), eine charmante Geschichte über das Erwachsenwerden und ein Throwback zu den frühen Anime-Tagen, in denen Magical Girls und Hexen mehr oder weniger das Gleiche waren. Vom originalen Kurzfilm bis hin zum Videospiel-Spin-off, ist die Magie von Akko und Co. einfach nur ansteckend – und dient als Erinnerung, dass TRIGGER mehr bieten kann als man denkt.     – Kara Dennison


Liz und der Blaue Vogel
Veröffentlicht in 2018
Kyoto Animation

Die ersten sieben Minuten von Liz und der Blaue Vogel können so zusammengefasst werden: Zwei Mädchen laufen zur Schule. Wie kann es denn sein, dass etwas so scheinbar Banales und Simples meine Freunde und mich beim ersten Sehen zum Weinen brachte? Die Art, in der Mizores Schritte in perfekter Harmonie zu Nozomis stehen; die Art, in welcher der Rhythmus dieser Schritte langsam in den Soundtrack aufbaut; wie durch Mizores verzweifelten Versuch, jede Geste ihrer Freundin zu imitieren, illustriert wird, wie sehr sie Nozomi verehrt. Viele Informationen werden so durch Bild und Ton vermittelt. Die Eröffnungsszene setzt den Ton für den Rest der Serie. Im Vergleich ist Sound! Euphonium eine gut durchdachte Serie, doch jede Episode ist um einen erfüllenden Story-Arc aufgebaut. Liz ist dies eher egal. Der Film erzählt die Geschichte über zwei Mädchen, die sich mit der Zeit aus den Augen verlieren, eher durch das Abstrakte und dem wunderschönen Spiel zwischen Bildern und Musik als einer konventionellen Narration. Ich glaube, am besten könnte man Sound! Euphonium als eine Novelle und Liz und der Blaue Vogel als ein Gedicht beschreiben. Sie komplementieren sich gegenseitig sehr gut, doch Liz ist ein wahres Meisterwerk seiner Kunstform. – Cayla Coats


Love, Chunibyou & Other Delusions
Veröffentlicht in 2014
Kyoto Animation

Vor Love, Chunibyo & Other Delusions kannte niemand in der Anime-Community den Begriff “Chunibyo”. Lasst euch das auf der Zunge zergehen: Dieser Anime gab uns ein brandneues Wort, welches nicht aus dem Japanischen für den englischen Titel übersetzt wurde. Abgesehen von diesem Wort zeigt Love, Chunibyo & Other Delusions, was Regisseur Tatsuya Ishihara am besten macht: eine süße Serie mit spaßigen Charakteren, eine Prise Liebe und großartige Animation aus dem Hause Kyoto Animation. Der „Tun sie’s oder tun sie’s nicht”-Aspekt von Rikkas und Yuutas Beziehung mag zwar viele stören, doch man muss doch zugeben, dass es unterhaltsam ist, zu sehen, wie sich diese Beziehung entwickelt. Besonders dank der Hilfe von anderen Charakteren wie Nibutani und Dekomori – auch wenn es nicht über das Händchenhalten hinausgeht..   – Daryl Harding


March comes in like a lion
Veröffentlicht in 2016
Studio Shaft

March comes in like a lion wirkt auf dem ersten Blick wie jeder andere Sport-Anime, in dem es über Freundschaft geht, doch die Serie bietet wesentlich mehr. Man folgt dem Leben von Kiriyama Rei und wird anfangs von einer düsteren Atmosphäre begrüßt: Der Protagonist kämpft mit Depression. Rei hat es nicht leicht mit seiner Familie und dem Druck, ein guter Shogi-Spieler zu sein. In diesen schweren Zeiten trifft er die Personen, die sein Leben verändern werden: Die Kawamoto-Schwestern, drei Mädchen, die Kiriyama eine zweite Familie bieten. March comes in like a lion zeigt eine Reise der Selbstfindung. Die Serie beschäftigt sich mit einer ernsthaften Krankheit, aber auch mit anderen Problemen wie Schikane, dem Überwinden von Hindernissen und den Verantwortungen, die mit dem Erwachsenwerden einhergehen. Die Serie bietet einen grandiosen Cast und großartige Charakterentwicklung. Es ist ein brillantes Werk, welches auch eine Chance verdient, sich der neuen Generation der Anime-Fanbase zu beweisen. – Carlos Moncken


Maquia – Eine unsterbliche Liebesgeschichte
Veröffentlicht in 2018
P.A. Works

Mari Okada befindet sich in einer seltenen Situation des westlichen Anime-Fandoms: Sie gehört zu den seltenen Autoren, die einer großen Menge an westlichen Fans namhaft ist. Selbst ein oberflächlicher Blick über ihre Arbeit des letzten Jahrzehnts macht einem schnell klar, warum: Okadas Werke gehören zu den emotional ansprechendsten und einzigartigsten Geschichten, die das Medium zu bieten hat. In ihrem Regiedebüt Maquia können wir eine unverfälschte Okada erleben, wie sie mit ihrem herzzerreißenden Charakterdrama, unangenehmen persönlichen Wahrheiten und dem Feiern der komplizierten Natur der Menschen einen Film schafft, den jeder gesehen haben sollte. Doch Maquia ist mehr als nur eien Sammlung von Okadas besten Eigenschaften: Es ist ein Fantasy-Epos, dessen Umfang an David leans Epen aus Hollywoods Goldenem Zeitalter erinnert, wobei es nie seinen emotionalen Kern einer Mutter und ihres ohnes aus den Augen verliert. Maquias größer Kritikpunkt ist, dass seine Sentimentalität nie nachlässt, doch wenn ihr euer Herz für zwei Stunden öffnet, stellt euch darauf ein, für all diese Zeit zu weinen und im Anschluss eure Mutter anzurufen.    – Miles Thomas


MEGALOBOX
Veröffentlicht in 2018
TMS Entertainment

Was bekommt man, wenn man TMS Entertainment und Regisseur Yo Moriyama einen neuen Anime produzieren lässt, um das 50. Jubiläum des legendären Box-Mangas Ashita no Joe zu feiern? Man bekommt die hart zuschlagende Welt von MEGALOBOX, in welcher jeder Niemand versuchen kann, an die Spitze der futuristischen Box-Liga zu erreichen. Irgendwie hat TMS es geschafft, die Serie so aussehen zu lassen, als ob sie in 1998 produziert wurde – und wir meinen das als ein Kompliment. Die Kämpfe sind gut, doch die ergreifende Story von Junk Dog und seinem zwielichtigen Trainer ist es, die MEGALOBOX seinen Punch verleiht.      – Joe Luster


Miss Kobayashi’s Dragon Maid
Veröffentlicht in 2017
Kyoto Animation

Vermutlich hat niemand mit dem Erfolg von Miss Kobayashi’s Dragon Maid gerechnet und jene, die zuerst skeptisch waren, fanden sich schnell überrascht, da die Serie einfach nur lustig und herzhaft ist. Vom Anfang bis zum Ende können wir miterleben, wie Kobayashi sich als eine Person weiterentwickelt und wie sie zu Tohru, und später auch Lucoa und Elma, eine familienähnliche Beziehung aufbaut. 

Eine der wichtigsten Aspekte der Show, welcher mir persönlich am besten gefällt, ist, wie die Serie die ruhigen Momente zwischen den Charakteren handhabt. Egal, ob es darum geht, wie Kobayashi sich an ihre neue Familie gewöhnt, wie Tohru lernt, sich am besten um Kobayashi zu kümmern, oder wie Kanna einfach nur Käfer isst – Miss Kobayashi’s Dragon Maid ist ein Must-Watch.   – Humberto Saabedra


 

KONOSUBA -God’s blessing on this wonderful world!
Veröffentlicht in 2016
Studio Deen

KONOSUBA kommt zwar erst in der zweiten Staffel wirklich in Fahrt, doch sobald die Serie anfängt, aus allen Kanonen zu schießen, ist sie ein komödiantisches Meisterwerk, welches an den britischen Klassiker Red Dwarf, eine Sci-Fi-Comedy Serie, erinnert. Es ist eine schamlose Parodie, welche sich über Genre-Konventionen lustig macht und mit einen Cast wahnsinniger, aber liebenswerter Charaktere punktet. KONOSUBAs schamloser Humor parodiert die typischen Isekai-Klischees wie keine andere Serie. Wer schonmal eine Dungeons & Dragons-Kampagne gespielt hat, in der alles aus dem Ruder gelaufen ist, weiß, was er hier erwarten kann.   – Paul Chapman


Mobile Suit Gundam the Origin
Veröffentlicht in 2019
Sunrise

Viele Gundam-Fans werden euch davon abraten, Mobile Suit Gundam: The Origin zu sehen, wenn ihr nicht schon mit der Zeitlinie vertraut seid. Nun, als jemand der sich gerade erst in die Welt von Gundam vorgewagt hat, habe ich diese Fans ignoriert und liebe diese OVA-Serie dennoch. Die Adaption von Yoshikazu Yasuhikos Manga, oder genauer gesagt dem Story-Arc, welcher sich um den Aufstieg von Char Azanable beschäftigt, gibt dem politischen Hintergrund von Gundam jede Menge Charakter. Es wird im Detail erklärt, wie jeder zu seinem Ausgangspunkt in der originalen 1979-Serie gelangt. Egal, ob ihr schon mit Gundam vertraut seid oder nicht, das Storytelling und die Visuals von The Origin reißen einen mit.     – Kyle Cardine


Mr. Osomatsu
Veröffentlicht in 2015
Studio Pierrot

Was passiert, wenn die Kinderstars der Comedy-Anime-Szene erwachsen werden, das Haus verlassen, aber dennoch anscheinend nur mit sich selber, ihren Eltern und einer kleinen bizarren Gruppe aus ihrer Nachbarschaft interagieren? Nun, in Mr. Osomatsu werden sie komplett wahnsinnig und das macht ihre Schoten noch unterhaltsamer denn je. Mr. Osomatu ist schreiend komisch und die Geschichten über Geschwisterrivalitäten, die stets aus dem Ruder geraten, sorgen für zwei lebhafte Staffeln. Halten wir mal die Daumen gedrückt, dass wir nach der zweiten Staffel und dem Film noch mehr von den Sechslingen zu sehen kriegen. – Daniel Dockery


New Game!
Veröffentlicht in 2016
Doga Kobo

Arbeit ist der Ernst des Lebens – besonders, wenn du Aoba bist, eine talentierte Designerin, die gerade ihren Schulabschluss hinter sich hat und nun bei dem Entwicklerstudio anfängt, welches ihr Lieblingsspiel veröffentlicht hat. New Game! beschäftigt sich nicht so sehr mit den Details der Spieleentwicklung, doch es ist eine unterhaltsame Geschichte mit vielen charmanten Charakteren. Studio Doga Kobo präsentiert Comedy und Zärtlichkeit im gleichen Maße und ist dabei überraschend subtil, doch auch aussagekräftig. Die zweite Staffel vertieft diesen Aspekt und zeigt, wie die Charaktere über ihre ursprünglichen Rollen hinauswachsen, wenn sie mit komplizierten Dilemmas und mitreißenden Konflikten konfrontiert werden. Auch wenn einige Fanservice-Szenen eher überflüssig sind, ist New Game!! ein wahrer Schatz.  – Carlos Moncken


The Night is Short, Walk on Girl
Veröffentlicht in 2017

Nach The Tatami Galaxy adaptiert Masaaki Yuasa nochmals ein Buch von Tomihiko Morimi. Um dies in die Tat umzusetzen, wurde die The-Tatami-Galaxy-Crew wieder versammelt. So sind Yusuke Nakamura, einer der talentiertesten Künstler seiner Generation, welcher an den Charakterdesigns mitwirkte, und die fantastische Komponistin Michiru Ōshima, die für den Soundtrack verantwortlich ist, wieder mit dabei. Das Resultat ist The Night is Short, Walk On Girl, ein außergewöhnlicher Animationsfilm von überragender Schönheit    – Joan Lainé


Non Non Biyori
Veröffentlicht in 2013
Silver Link

Renge Miyauchi und ihre vier Freunde leben in einer so kleinen Stadt, dass sie die einzigen Schüler an der lokalen Schule sind. Sie verbringen ihre Tage damit, durch die bildhaften Landschaften zu wandern. Die Welt von Non Non Biyori ist recht handlungsarm. Es ist eine Slice-of-Life-Serie, die eher daran interessiert ist die kleinen alltäglichen Sachen der Welt zu detaillieren, wie die Spiele, die Renge und Natsumi mit ihren Radiergummis spielen, um die Zeit in der Schule totzuschlagen oder sich um die Klassentiere zu kümmern. Etwas an der Serie ist einfach nur schön, fast melancholisch. Häufig entfernt sich die Kamera von den Charakteren während sie eine geistreiche Unterhaltung führen und konzentriert sich mehr auf die wunderschönen Hintergründe. Die Stimmen klingen langsam und die Kamera zeigt für zwei Minuten nur die Landschaft, während man hier und da ein paar Piano-Akkorde hört. Renge und ihre Freunde leben ein ruhiges, aber schönes Leben voller Freundschaft, weit entfernt von den Problemen, die man mit dem Urbanen verbindet. Die Welt kann hart sein und manchmal braucht man ein Werk, welches einen Einblick in ein leichteres Leben gewährt. Wenn du mit Stress und Trauer zu kämpfen hast, sind Ren-chon und ihre Freunde für dich da.   – Cayla Coats


One-Punch Man
Veröffentlicht in 2015
Madhouse / J.C. Staff

ONEs Web-Manga One-Punch Man war nicht ohne Grund so erfolgreich. Er ist schreiend komisch und befasst sich großartig mit typischen Superheldenklischees. Doch ihm fehlte eine Komponente: Der unverwechselbare Zeichenstil des Eyeshield 21-Illustrators Yusuke Murata. Als Madhouse seine dynamischen Zeichnungen für die erste Staffel zum Leben erweckte, war es einfach nur atemberaubend. Auch wenn J.C. Staffs zweite Staffel nicht dieselben Höhen erreicht, zeigt der Anime dennoch perfekt, was Saitama und die anderen verrückten Helden so liebenswert macht.    – Joe Luster


Panty & Stocking
Veröffentlicht in 2010
Gainax

Als Gainax erste Bilder zu Panty & Stocking with Garterbelt veröffentlichte, ging vielen dasselbe durch den Kopf: „Ähnelt der Look der Serie nicht einem gewissen westlichen Cartoon über drei Mädchen mit Superkräften?“ Aber was niemand erwartete, war, dass Gainax eine so freche und provokante Serie rausbringen würde, die sich von niemanden etwas vorschreiben lässt. Panty und Stocking sind zwei Engelsschwestern, die aus dem Himmel aufgrund „unangebrachtem“ Verhaltens rausgeschmissen wurden und müssen nun unter der Aufsicht eines unorthodoxen Priesters als Wiedergutmachung Monster in Daten City jagen. Abgefahrene Action; surreale, aber lustige Situationen und ein distinktiver Look machen diese Serie zu einem der einzigartigen Animes des Jahrzehnts. Wenn ihr mit der krassen Art der Serie klar kommt, werdet ihr hier eine Menge Spaß haben.    – Sergio Vaca

 


Parasyte -the maxim-
Veröffentlicht in 2014
Madhouse

In diesem Jahrzehnt wurde auch ältere Manga endlich als Anime adaptiert. Parayste –the maxim- war ohne Frage eine der erfolgreichsten Serien dieser Art. Sie erzählt die Geschichte von Shinichi Izumi und seiner von einem Alien infizierten Hand. Parasyte ist ein blutiger Thriller, der das Ausgangsmaterial treu adaptiert, doch auch passend modernisiert. Shinichis Abenteuer und wie die Serie mit moralischen Fragen umgeht, welche im Bezug zu den Aliens aufkommen, fesseln einen auch noch Dekaden nach der Veröffentlichung des ursprünglichen Mangas.    – Kyle Cardine


Planet With
Veröffentlicht in 2018
J.C. Staff

Es gibt nur wenige Anime, die ich aufgrund ihrer Thematik wirklich lobe und Planet With gehört zu diesen. In dieser Serie, die gut 52 Folgen an Charaktermomenten in gerade mal 12 reinquetscht, wird sich mit philosophischen Themen wie Gerechtigkeit, Pazifismus und Imperialismus, aber auch die persönliche Suche nach Vergebung beschäftigt. Die Serie beschäftigt sich mit diesen Themen verständlich, doch nimmt einen moralischen Standpunkt ein. Es ist eine Serie mit einer wunderbaren Botschaft und ich kann nicht oft genug sagen, dass jeder sie sehen sollte.   – Paul Chapman


Pop Team Epic
Veröffentlicht in 2018
Kamikaze Douga

Oberflächlich kann man diese Serie so beschreiben: “Eine Komödie, die 11 Minuten lang ist und sich nach Schluss sofort wiederholt, nur dass die Stimmen nun anders sind”. Klingt nicht sonderlich ansprechend, die meisten Leute würden sie vermutlich als reine Zeitverschwendung abschreiben. Ja, eine Menge von dem, was Pop Team Epics Charme ausmacht, klingt grauenhaft vom Konzept her: Unsinnige Witze, Insider Humor und Memes, die basierend auf einem Gag-Manga keinem wirklichen Handlungsstrang folgen. Innerhalb der 24 Minuten der ersten Folge wird man jedoch schnell feststellen, ob man diese Serie hasst oder liebt. Dies macht die Serie ein wenig umstritten, aber auch einzigartig. Pop Team Epic übersteigt jegliche Logik und sollte nicht funktionieren, ist jedoch vielleicht einer der besten Comedy-Serien der letzten zehn Jahre. Das vielleicht Beeindruckenste an Popuko und Pipimis Ritt des Wahnsinns ist wohl die Armee an legendären Synchronsprechern, die an der Show mitgewirkt haben. Pop Team Epic funktioniert einfach und das ist für uns alle ein Gewinn.   – Nicole Mejias


Princess Jellyfish
Veröffentlicht in 2010
Brain’s Base

Es ist selten zu sehen, dass Anime aus der Sicht eines weiblichen Fans geschrieben wurden. Es gibt viel, was Fans jeden Geschlechtes sehen können, aber die Anime-Wahrnehmung eines Mädchens, das sich als Otaku herausstellt, ist oft ziemlich gleich: Es ist schockierend, weil sie hübsch oder beliebt ist. Princess Jellyfish ist einer dieser seltenen kostbaren Edelsteine, die das weibliche Otaku-Dasein nicht als Einhorn-Rarität darstellen, sondern in dem Maße, wie es sich wirklich anfühlt, eine junge Frau in diesem Lebensbereich zu sein. Es war keine Überraschung, ihn Anfang des Jahres in der Manga-Ausstellung des British Museum zu sehen: Er verdient es, großformatig präsentiert zu werden, von seiner charmanten Kunst bis hin zu seiner herzlichen Geschichte.   – Kara Dennison


PROMARE
Veröffentlicht in 2019
Studio Trigger

In PROMARE steckt durch und durch das Studio Trigger: Ein visueller Augenschmaus mit leidenschaftlichen Charakteren, intensiver Action und einem tollen Soundtrack. Darüber hinaus ist es auch ein Film, der die Weichen für zukünftige 2D/3D-Hybridprojekte stellen wird. Es war wirklich aufregend zu sehen, wie sich PROMARE von der Ankündigung bis zur Veröffentlichung entwickelte: Was als Ankündigung bei AX mit einem einzigen Promo-Bild begann, kam voll zum Tragen und führte zu mehreren, später auch wiederholten Auftritten in den USA. Es gibt einen Grund, warum du jedes Mal begeistert sein solltest, wenn Hiroyuki Imaishi und Kazuki Nakashima zusammenarbeiten und Promare ist eine Verkapselung von all diesen Gründen. PROMARE gab mir einige der besten Kinoerlebnisse (ja, Plural!) dieses Jahrzehnts – ein Film, der bereit ist zu feiern und möchte, dass das Publikum mitfeiert.    – Kyle Cardine

 


THE PROMISED NEVERLAND
Veröffentlicht in 2019
Cloverworks

Fans sagten eine Anime-Version von THE PROMISED NEVERLAND voraus, lange bevor eine Ankündigung gemacht wurde – und es ist nicht schwer zu verstehen, warum. Die Geschichte schwankt mit einem Schlag von süßer Ruhe zum existentiellen Entsetzen und klammert sich weiterhin an ein trügerisches Bild, während ihre Protagonisten ihre Flucht planen. Die Kameraperspektiven wirken paranoid: Von wessen Standpunkt aus beobachten wir sie? Wie viel weiß jemand zu einem bestimmten Zeitpunkt? Mit einer zweiten Staffel am Horizont kann diese wunderschöne Shonen-Serie sich nur noch weiter steigern…     – Kara Dennison


Psycho-Pass
Veröffentlicht in 2012
Production I.G.

Die frühen 2010er Jahre waren der Aufstieg von Gen Urobuchis Anime-Starpower, insbesondere mit Psycho-Pass‘ Veröffentlichung nach Madoka und Fate/Zero. Die Show stellt eine Zukunft vor, in der Algorithmen alles, von der Karriere bis zur Moral, bestimmen – etwas, das sich jeden Tag mehr in die Realität einzuschleichen scheint. Provokant für seine Zeit, hat Psycho-Pass eine nachhaltige Wirkung als fesselndes dystopisches Sci-Fi-Cop-Drama im Repertoire von Urobuchi.   – Kyle Cardine


Samurai Flamenco
Veröffentlicht in 2013
Manglobe

Es gibt nichts besseres als einen guten Lockvogel-Anime, bei dem sich der Plot mitten in der Serie dreht und offenbart, dass ihr die ganze Zeit eine ganz andere Geschichte gesehen habt. Wo Shows wie GaoGaiGar auf halbem Weg gerade einmal einen Groschen drehen, dreht Samurai Flamenco jede Handvoll Episoden komplett um und lässt eine neue Schicht des Wahnsinns zurück. Ist es eine Gag-Serie? Eine Idol-Serie? Super Sentai? Ist irgendetwas von dem, was wir sehen, überhaupt echt? Inmitten des Chaos gelingt es ihm auch, ein Liebesbrief an alte Tokusatsu-Shows zu sein  – Kara Dennison


Sarazanmai
Veröffentlicht in 2019
MAPPA

Sarazanmai is visually gorgeous. It’s a show that has the aesthetic sharpness of a highly acclaimed graphic design firm. Through all of the artful abstract imagery and stunning splashes of red and pink, we are told a story of connection and loss. Three middle school boys–Kazuki, Enta, and Toi–are all troubled in ways that keep them from building genuine connections with those around them. While the show was airing, it got somewhat of a reputation for being difficult to follow and full of difficult to decipher imagery (a lot of it having to do with butts). For my money, though, the show wants to tell a simple but affecting story about the ways we let our pain keep us from growing, and how being brave enough to reach out and connect to someone else is often the only way we can heal from that pain.

Sarazanmai ist optisch wunderschön. Es hat die ästhetische Schärfe einer renommierten Firma für Grafikdesign. Doch durch all die kunstvolle abstrakte Bildsprache und unglaublichen Farbexplosionen erzählt es eine Geschichte von Bindung und Verlust. Die drei Mittelschüler Kazuki, Enta und Toi haben alle ihren eigenen Probleme, die verhindern, dass sie echte Bindungen zu den Menschen in ihrem Leben aufbauen. Während die Serie lief, erntete sie schnell einen Ruf dafür, schwer zu verfolgen zu sein und dem Zuschauer schwer zu entziffernde Bilder vorzusetzen (von denen viele sich mit Hintern beschäftigten). Doch meiner Meinung nach erzählt die Show eine simple, doch effektive Geschichte darüber, wie unser Schmerz uns vom Wachsen abhält und wie der einzige Weg zur Heilung manchmal sein kann, sich nach anderen auszustrecken und mit ihnen eine Bindung einzugehen. – Cayla Coats


Silver Spoon
Veröffentlicht in 2013
A-1 Pictures

Silver Spoon tut das Unmögliche: Die Serie macht Landwirtschaft interessant! Fullmetal-Alchemist-Autor Hiromu Arakawa schrieb diesen Manga über das Farmleben und Tomohiko Ito brachte ihn auf den Fernsehbildschirm, bevor er Kotomi Deai die Führung überließ, um an Erased zu arbeiten. Arakawa und A-1 Pictures erwecken Obihiro in Hokaido zum Leben. Diese Geschichte über das Erwachsenwerden über Hachiken, welcher von seiner städtischen Heimat in das Farmleben geworfen wird, ist eine der Besten, die dieses Genre zu bieten hat. Ich hätte nie gedacht, dass mir ein Schwein so viel bedeuten könnte!  – Daryl Harding

 


Sound! Euphonium
Veröffentlicht in 2014
Kyoto Animation

Sich Sound! Euphonium, die Geschichte der Kitauji-Oberschulband anzusehen, ist im wahrsten Sinne des Wortes ein Vergnügen. Die Animationsqualität ist überragend, die Musik (sowohl im Hintergrund als auch die Stücke, welche von der Band performt werden) ist superb und sowohl Regie als auch Drehbuch können mit einigen der besten Live-Action-Filme mithalten, die ich je gesehen habe. Was ich jedoch am meisten an dieser Serie liebe, ist ihr Hauptcharakter: Kumiko Oumae. Kumiko gehört zu meinen absoluten Lieblingscharakteren. Ihr Wandel von jemandem, der sich nicht um sich selbst oder andere Menschen kümmert zu einer empathischen und liebevollen Person am Ende der Serie ist einfach nur herrlich zu erleben. Es ist eine Sache, einen Charakter dabei zu verfolgen, der versucht, seine Ziele zu erreichen, doch Euphonium schafft es dank seiner exzellent geschriebenen Story und subtilen Animationen eine junge Frau darzustellen, die ihren Weg im Leben erst finden muss. Es war ein einzigartiges Erlebnis, Kumiko kennenzulernen und ihr bei ihrem Wachstum zuzusehen. – Cayla Coats


Space Brothers
Veröffentlicht in 2012
A-1 Pictures

Das Aufwachsen inmitten von Geschichten über Raumfahrtmissionen war in meiner Gegend keine Seltenheit – die meisten Kinder an meiner Schule waren die Kinder von Raketenwissenschaftlern und NASA-Ingenieuren, da wir in der Nähe eines großen Labors wohnten. Space Brothers ist einer der wenigen Titel, die ich gesehen habe, ob Anime oder nicht, der es schafft, dieses Gefühl von Liebe, Aufregung und praktischer Beteiligung zu reproduzieren. Die Geschichte von zwei Brüdern, jeder mit seinen eigenen aeronautischen Ambitionen, brachte das Wunder der Kindheit zurück, dass die Sterne seltsam nah, aber auch gerade außer Reichweite waren. Es war inspirierend, sowohl Hibito, der direkt auf seinen Traum zusteuerte, als auch seinem Bruder Mutta zu folgen und nach einem Fehlstart wieder aufzunehmen. Außerdem ist das Opening unschlagbar – es ist nie ein schlechter Zeitpunkt, um “Feel So Moon” zu spielen. – Kara Dennison


Space Patrol Luluco
Veröffentlicht in 2016
Studio Trigger

In Anbetracht der reinen Kinetik, für die sie bekannt sind, gibt es keinen besseren Kandidaten für Kurzform-Animationen als TRIGGER. Space Patrol Luluco ist eine Gag-a-Minute-Serie von Shorts, die trotz ihrer offensichtlichen Dummheit viel Herz mit sich bringt und es lohnenswert macht, diese immer wieder zu schauen. Es ist die Essenz von “kurz, aber süß” und bis heute könnte es meine unterschätzte Lieblingsserie sein, die TRIGGER und Imaishi zusammen gemacht haben.      – Joe Luster


SSSS.GRIDMAN
Veröffentlicht in 2018
Studio Trigger

Das Genre von Tokusatsu (welches Serien wie Godzilla, Kamen Rider und Super Sentai umfasst) hat eine lange Tradition in Japan und SSSS. Gridman ist eine große Hommage an diese Figuren und Serien. Mit Helden- und Monsterdesigns, die direkt aus einer Episode von Ultraman stammen könnten. SSSS.Gridman ist nicht nur eine Non-Stop-Hommage und mehr als einen Blick wert, wenn man auf der Suche nach einer Nostalgiereise ist. Im Laufe von zwölf Episoden, werdet ihr eine Reihe von wunderbaren Charakteren (inklusive Bösewichten) treffen, einige schrecklich produzierte Kaiju-Kämpfe sehen und sich in einem Genre engagieren, das sich lohnt, selbst wenn ihr noch nie Godzilla gegen Irgendwas kämpfen gesehen habt. SSSS.Gridman war ein unterschätztes Juwel von 2018 und verdient es in den kommenden Jahren genossen zu werden. – Daniel Dockery


Sword Art Online
Veröffentlicht in 2012
A-1 Pictures

Kirito, der ultimative Protagonist, der bei allem, was er tut, absolut fantastisch ist. Seine Abenteuer durch die verschiedenen virtuellen Welten von Sword Art Online war eine Achterbahnfahrt seit Beginn des Du-stirbst-im-Spiel-du-stirbst-im-realen-Leben. A-1 Pictures ist jede Staffel kontinuierlich über sich hinaus gewachsen, um eine der beeindruckendsten Light-Novel-Adaptionen der Gegenwart zu schaffen. SAO hat seit dem Schleudertrauma der ersten Staffel einen langen Weg zurückgelegt, aber selbst die gemischte erste Staffel hat mich vom Potenzial der Serie und ihrem ständig wachsenden Umfang überzeugt.    – Joe Luster


Symphogear
Veröffentlicht in 2012
Satelight/Encourage Films/Studio Pastoral

Der Sammelruf von Anitwitter im Jahr 2019 lautete “Schaut Symphogear“. Aber warum? Dafür gibt es so viele Gründe. Es ist ein Mix aus Magical-Girl-Ästhethik, riesiger Robotertechnologie und der Entschlossenheit von Idolsängern – als wenn in Macross Idols und Roboter gleichzeitig die Bühne einnehmen würden. Die Animation ist wunderschön und die Handlung ist episch. Die Songs sind mutig und kraftvoll und klingen tatsächlich so, als ob sie im Moment passieren würden. Es handelt sich um echte Kampfrufe, die gesungen werden, nicht um einen CD-Track der mit einem Mikrofon eingesungen wurde. Und jedes Mal, wenn ihr denkt, dass ihr schon das Größte und Beeindruckendste gesehen habt, wartet eine neue Staffel auf euch. Abschließend möchte ich sagen, dass Anitwitter Recht hatte: “Schaut Symphogear“. – Kara Dennison


Die Legende der Prinzessin Kaguya
Veröffentlicht in 2013
Studio Ghibli

Im April 2018 verlor die Welt den legendären Regisseur, Drehbuchautor und Produzenten Isao Takahata, Mitbegründer von Studio Ghibli. Zu sagen, dass dieser Verlust ein Loch in den Herzen der Anime-Fans hinterlassen hat, wäre eine massive Untertreibung. Fünf Jahre zuvor lieferte er mit seinem letzten Spielfilm, Die Legende der Prinzessin Kaguya, eine glänzende Interpretation eines Klassikers der japanischen Folklore. Von den üppigen Aquarellbildern bis hin zum eleganten Geschichtenerzählen veranschaulicht Kaguya den stillen Riesen der Animeindustrie, den Isao Takahata in seiner Karriere etabliert hatte. Es ist ein einzigartiges Juwel eines Films.     – Joe Luster


Tamako -love story-
Veröffentlicht in 2014
Kyoto Animation

KyoAnis Serie Tamako Market war recht unterhaltsam und ergreifend – aber etwas subtanzlos. Tamako – love story – wiederum ist eine der besten Geschichten über junge Liebe, die diese Generation zu bieten hat. Regisseurin Naoko Yamada bringt das Beste, was Kyoto Animation zu bieten hat mit sich, um die Charaktere so ausdrucksstark zu animieren, dass Dialog überflüssig erscheint. Der gesamte Cast protzt geradezu mit Charme und Leben, wodurch jeder noch so kleiner Moment überraschend emotional für so einen einfachen Film ist. Man bekommt genau das, was der Klappentext verspricht: Eine Romanze und diese ist nicht sonderlich komplex. Doch gerade diese Einfachheit macht diesen Film zu besonders, da er genau das erreicht was er will. – Daryl Harding


Tanaka-kun Is Always Listless
Veröffentlicht in 2016
Silver Link

Ich könnte einen leidenschaftlichen Absatz darüber schreiben, was Tanaka-kun is Always Listless zum Inbegriff einer langsamen, entspannten, höchst verwandtschaftlichen Komödie macht, aber das scheint dem Geist des Werks entgegenzusetzen. Es genügt zu sagen, dass Tanaka ein sehr fauler Junge ist, dessen gesamte Existenz eine große Bereicherung ist. Das komödiantische Timing der Serie ist perfekt, denn die ganze Serie ist so beruhigend für die Seele wie ein Glas warme Milch vor dem Schlafengehen und jetzt werde ich ein Nickerchen machen. Zzzzzz.     – Paul Chapman


The Tatami Galaxy
Veröffentlicht in 2010
Madhouse

Rückblickend ist es eine verdammt gute Sache. Nicht jeder verbrachte seine Studienzeit als selbstsüchtiger Narzisst mit großen Wahnvorstellungen über die Belohnungen, die das Leben für ihn bereithält, aber diese Beschreibung passt zu meinen Studienjahren, und so schmeckt The Tatami Galaxy für mich wie ein riesiges Stück bescheidener Torte. The Tatami Galaxy, welche mir von einem engen Freund als ein Teil Fight Club und ein Teil Und täglich grüßt das Murmeltier beschrieben wurde, ist ein extrem literarischer und äußerst lustiges, verrücktes Werk von Masaaki Yuasa (nach dem Buch von Tomihiko Morimi), und es ist die Art von Arbeit, die das “Hoch” in die hohe Kunst bringt.    – Paul Chapman


That Time I Got Reincarnated as a Slime
Veröffentlicht in 2018
Eight Bit

Anime ist überfüllt mit Adaptionen von Isekai-Fantasy-Novels, in denen der Protagonist als overpowertes Wesen in eine Welt voller Schwerter und Magie reinkarniert wird, doch wenige Serien haben einen derart wohlwollenden Hauptcharakter wie That Time I Got Reincarnated as a Slime. Auch wenn sich dies in der zweiten eventuell noch ändern mag, wenn Rimuru Rempest und seine Kumpanei mit der Außenwelt mehr in Kontakt kommen, freue ich mich immer, wenn Empathie und ein Wille zur Zusammenarbeit der Schlüssel zur Lösung eines Problems sind. Außerdem gibt es Bonuspunkte für einen non-binären Charakter als Protagonisten.      – Paul Chapman


Tiger & Bunny
Veröffentlicht in 2011
Sunrise

Tiger and Bunny sollte auf den ersten Blick eine weitere Shonen-Action-Serie mit Superhelden sein, wobei eine zusätzliche Facette in Form von Kooperationen, Sponsoring und Massenmedien eine Rolle bei der Wahrnehmung vom Heldentum spielen sollte. Was wir am Ende bekamen, war eine der tief empfundensten und ehrlichsten Darstellungen vom Erwachsensein, Vaterschaft und dem ständigen Kampf um die Leistung unter Druck, mit fast schrecklichen Folgen für Kotetsu “Tiger” Kaburagi und seinen Partner Barnaby “Bunny” Brooks Jr. 

Tiger and Bunny verdient es, auf dieser Liste zu stehen, nicht nur wegen der Tiefe seiner Erzählung, sondern auch wegen der subtilen Art und Weise, wie jede Figur eine wichtige Rolle bei der Gestaltung der Serie spielt. Von der Teilhandlung zwischen Kotetsu und Barnaby, die lernen einander zu vertrauen, bis hin zu Blue Rose, die mit der Entscheidung kämpft, ein Held zu bleiben oder aufzuhören, um ihre wahren Träume zu verfolgen, Sängerin zu werden, während sie gleichzeitig Gefühle für Kotetsu entwickelt. Aber die einprägsamste Nebenhandlung war jene, in der Kotetsu fast seine Kräfte verliert, während er damit kämpft, seine Beziehung zu seiner Tochter intakt zu halten. Tiger and Bunny verdient nicht nur seinen Platz auf der Liste, es wäre sogar ein Affront, es nicht aufzunehmen.    – Humberto Saabedra


Wie der Wind sich hebt
Veröffentlicht in 2013
Studio Ghibli

Hayao Miyazakis neuster Spielfilm dreht sich vor allem ums Fliegen. Jiro Horikoshi, ein Einzelgänger von einem Designer, der für einige von Japans tödlichsten Kriegsflugzeugen im zweiten Weltkrieg verantwortlich war, ist der Protagonist des Films. Während Miyazaki das Leben von Horikoshi erforscht, präsentiert er uns liebevoll animierte Szenen von seiner Arbeit am Reißbrett, bei der jeder Schwung seines Stiftes und jedes Justieren seines Lineals mit lebensnaher Subtilität umgesetzt sind. Der Film etabliert dabei ein schwieriges Tauziehen zwischen Jiros Liebe zu seiner Arbeit und der zu seiner Frau Nahoko. Dabei kapselt der Jiro (und uns) von der Tatsache ab, dass es sich hierbei um Maschinen des Todes handelt und verzichtet auf Darstellungen von den kriegerischen Ereignissen in weiter Ferne. Und dennoch durchbricht Miyazaki diese Fassade auf kleine, aber bedeutsame Art. Es zeigt sich in dem Blut, das Nahoko in einem Hustenanfall erbricht, der durch ihre Tuberkulose verursacht wird oder durch die furchteinflößende Darstellung des Kanto-Erdbebens von 1923. Ebenso sehen wir eine subtiles Tauziehen zwischen Jiros Hingabe zum Designen von Flugzeugen und den Bedürfnissen seiner Familie sowie der moralischen Ambiguität, Kriegsmaschinere zu entwerfen. Doch gibt es kein eindeutiges Urteil über Jiros Taten – so einfach macht es sich der Film nicht. Stattdessen erblicken wir einen Traum nach Ende des Krieges, in dem Flugzeuge einen wunderschönen und unendlichen Himmel durchjagen, während Nahokos Sonnenlicht durch eine sanfte Wolkendecke bricht. – Cayla Coats

 


Ame & Yuki – Die Wolfskinder
Veröffentlicht in 2012
Studio Chizu

Wolfskinder ist einer der einflussreichsten Filme für mich, da er wichtige Botschaften in einem märchenhaften Konzept über Liebe, Schmerz, Kampf, Selbstakzeptanz und Durchhaltevermögen präsentiert. Es gibt mehrere Facetten, die ich an diesem Film liebe: Die Geschicklichkeit, eine fiktive Geschichte mit starkem Realismus zu verbinden. Das Hauptthema ist solide erzählt, obwohl verschiedene Charaktere gezeigt werden, die zwar  zusammenleben, aber unterschiedliche Wege gehen. Sowohl die animierten Szenen als auch der Soundtrack sind wunderbar und beeindruckend und sind die Vision des Regisseurs. Mamoru Hosoda hat mich immer überwältigt, aber in diesem speziellen Film hat mich seine Arbeit persönlich beeinflusst und so habe ich mich auf die tieferen Aspekte der Dinge konzentriert. Wolfskinder erinnert mich daran, mehr Mitgefühl mit anderen zu haben, mich in ihre Lage zu versetzen, aber vor allem daran, nicht die Details zu übersehen, denn sie sind es, die das Leben zu dem machen, was es ist.  – Reem Ali


Violet Evergarden
Veröffentlicht in 2017
Kyoto Animation

Es ist recht deutlich, dass Violet Evergarden einer der schönsten TV-Anime ist, die je gemacht wurden (zumindest bis 2019). Die von Kyoto Animation produzierte Serie beschäftigt sich mit den Folgen einer verwaisten Teenagerin, die – vom Krieg gezeichnet – versucht, ihren eigenen Platz in der Welt zu finden. Schließlich findet sie ihre Berufung, Briefe für andere zu schreiben und mit den Menschen zu wachsen, die sie trifft. Der emotionale Schlag der Serie sollte nicht unterschätzt werden, denn Autorin Kana Akatsuki erschafft eine Welt, auf die Regisseur Taichi Ishidate und Drehbuchautor Reiko Yoshida aufgebaut haben. Für mich war jede Episode eine Achterbahnfahrt der Emotionen, die mich alles spüren ließ: Von Freude über Traurigkeit bis hin zu Mitgefühl und alles dazwischen. Nur das Team von Kyoto Animation konnte etwas so Magisches wie Violet Evergarden produzieren, was es zu einem Muss macht.    – Daryl Harding

 


ZOMBIE LAND SAGA
Veröffentlicht in 2018
MAPPA

ZOMBIE LAND SAGA stellte sich als brilliante Parodie der gesamten Idol-Industrie heraus. Das (vermeintliche) komplette Desinteresse am Wohlergehen der Mädels seitens ihres Produzenten Tatsumi Koutarou fühlt sich wie ein überspitzter Blick hinter die Kulissen des Stresses an, den echte Idols Tag für Tag ertragen müssen. Doch dies ist erst der Anfang einer Show, die nicht nur fantastisches komödiantisches Timing und wunderbare Animation bietet, sondern auch mitreißende Geschichten für seinen Cast, die jede Folge mit einem absoluten Banger in einer kathartischen und thematisch passenden Performance der Mädels abschließen. Und das absolute Highlight ist hier natürlich Lilys fantastische Folge und ihre herzzerreißende Performance. 

ZOMBIE LAND SAGA sorgte dafür, dass ich mich in ein Genre verliebte, das ich vorher um alles in der Welt vermieden habe. Und wer weiß: Vielleicht gebe ich Love Live ja nun doch noch eine zweite Chance – Rene Kayser